Archives de catégorie : Accrochages

Fééries graphiques d’Emilio Terry : sélection critique de proto-dessins

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 8 – Salle Royère
 
26 mars 2013 – 10 juin 2013
 

Baroque et néo-classique, inventeur du « style Louis XVII », admirateur de Palladio ou de Ledoux, Emilio Terry (1890-1969) continue de nourrir les imaginations et imaginaires confluents des dessinateurs, architectes, décorateurs ou paysagistes français et étrangers. La présentation d’une vingtaine d’œuvres issues de l’exceptionnelle collection du département des Arts graphiques du musée des Arts décoratifs (pas moins de 1200 dessins), autorise, sur le principe de l’accumulation, les comparaisons et les référencements divers, la couverture d’un prisme temporel ouvert des années 1930 aux tournants de la décennie 1970, la matérialité des commandes réalisées (ou à l’état d’in progress car demeurées inachevées), la restitution des liens de sociabilités hexagonaux et internationaux noués par le créateur connecté à de nombreux réseaux sociaux (versus Boni de Castellane) et assuré d’une clientèle renommée (d’Anna de Noailles à Charles de Beistegui).

 

Jet d’eau et construction de feuillages Emilio Terry y Sanchez (1890-1969) France, XXe siècle Plume, encre de Chine et lavis Legs Terry y Sanchez, 1972 Inv. 47773.79 © Les Arts Décoratifs

Jet d’eau et construction de feuillages. Emilio Terry y Sanchez (1890-1969). France, XXe siècle. Plume, encre de Chine et lavis. Legs Terry y Sanchez, 1972. Inv. 47773.79. © Les Arts Décoratifs

 

 

Projet pour un pavillon Emilio Terry y Sanchez (1890-1969) France, 1932 Crayon, plume, encre de Chine et lavis Legs Terry y Sanchez, 1972 Inv. 47773.72 © Les Arts Décoratifs

Projet pour un pavillon. Emilio Terry y Sanchez (1890-1969). France, 1932. Crayon, plume, encre de Chine et lavis. Legs Terry y Sanchez, 1972. Inv. 47773.72. © Les Arts Décoratifs

 

 

Grotte marine Emilio Terry y Sanchez (1890-1969) France, XXe siècle Plume, encre de Chine et lavis Legs Terry y Sanchez, 1972 Inv. 47773.37 © Les Arts Décoratifs

Grotte marine. Emilio Terry y Sanchez (1890-1969). France, XXe siècle. Plume, encre de Chine et lavis. Legs Terry y Sanchez, 1972. Inv. 47773.37. © Les Arts Décoratifs

 

 

 

Accrochage – Dessins d’Augustin Dupré (1748-1833) : abstract

 

Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 3 – Salle 15
 
3 avril 2013 – 13 juin 2013

Graveur général des monnaies de France entre 1791 et 1803, Augustin Dupré est une figure majeure de la numismatique française. Natif de Saint-Etienne, il quitte à vingt ans les ateliers de gravure de la manufacture royale d’armes, se rend à Paris où il parfait sa formation d’orfèvre ciseleur et débute, à partir de 1770, une carrière de graveur en médailles. Elève de l’Académie royale de peinture et de sculpture, protégé de Houdon, ami de l’éminent Jacques-Louis David, l’artiste noue de solides relations dans les milieux institutionnels. Son sens de la composition, sa parfaite maîtrise de la glyptique lui valent plusieurs commandes importantes : parmi elles, la médaille Libertas americana, commandée par Benjamin Franklin pour célébrer l’indépendance américaine.

 

Augustin Dupré (1748-1833) France, ca. [1770-1833] Pierre noire, plume et encre métallo-gallique sur papier vergé écru Achat du musée, vente La Béraudière, 1885 Inv. 1009.17.A © Les Arts Décoratifs

Esquisse pour un flambeau-candélabre, pied composé de trois amours. Augustin Dupré (1748-1833). France, ca. [1770-1833]. Pierre noire, plume et encre métallo-gallique sur papier vergé écru. Achat du musée, vente La Béraudière, 1885. Inv. 1009.17.A © Les Arts Décoratifs

Sous la Révolution, Dupré adapte ses thèmes aux nouveaux idéaux patriotiques et affirme ses positions sur l’inévitable réforme du système monétaire. Nommé Graveur général en 1791, à la suite du concours lancé par l’Académie, il centralise la production des coins utilisés pour la frappe des monnaies dans les ateliers de l’Hôtel des monnaies de Paris, comme il participe à l’élaboration des nouveaux types monétaires engendrés par la chute de l’Ancien Régime et l’adoption du système décimal. Son action, sous-qualifiée par certains, méprisée par d’autres, ne survit pourtant pas au Consulat. Augustin Dupré continue à dessiner, graver, exposer mais ne connaît qu’une reconnaissance tardive.

 

Augustin Dupré (1748-1833) France, ca. [1770-1833] Pierre noire sur papier vergé écru Achat du musée, vente La Béraudière, 1885 Inv. 1009.15.A © Les Arts Décoratifs

Salières et modèles d’arquebuserie. Augustin Dupré (1748-1833). France, ca. [1770-1833]. Pierre noire sur papier vergé écru. Achat du musée, vente La Béraudière, 1885. Inv. 1009.15.A
© Les Arts Décoratifs

L’œuvre dessinée de celui que l’on présenta comme « l’auteur d’une sorte de régénération » de la gravure en médaille, dévoile, sous un trait sûr et inventif, les facettes d’un art nourri d’Antiquité, servi par un sens du modelé préfigurant le bas-relief. La technicité du travail s’impose dans les délicates réflexions décoratives autant que dans les compositions historiques audacieuses. Issus de la collection du comte Jacques Victor de la Béraudière (1864-1949) et achetés en vente publique en 1885, quelque trente dessins de l’artiste, enrichis d’un album de croquis, proposent au regard, outre des scènes pour des modèles de médailles, des recherches graphiques préliminaires à la réalisation de pièces d’orfèvrerie. Ainsi, l’intelligence sensible du geste créateur d’Augustin Dupré trouve la pleine occasion de se faire connaître et de rendre hommage à l’intense collection du département des Arts graphiques du musée des Arts décoratifs.

Pauline Juppin

 

Flambeau Augustin Dupré (1748-1833) France, ca. [1770-1833] Sanguine, pierre noire, plume et encre sur papier vergé écru Achat du musée, vente La Béraudière, 1885 Inv. 1009.B © Les Arts Décoratifs

Flambeau. Augustin Dupré (1748-1833). France, ca. [1770-1833]. Sanguine, pierre noire, plume et encre sur papier vergé écru. Achat du musée, vente La Béraudière, 1885. Inv. 1009.B © Les Arts Décoratifs

Jean Royère (1902-1981) : intérieurs dessinés

Le couple Jean Royère / Arts décoratifs s’inscrit dans la durée. Le musée, affectataire des archives de l’artiste, lieu de monstration de son œuvre, outil d’analyse de sa production, est un amoureux du décorateur, un habitué de ses lignes, tracés et couleurs. Aussi bien, choisissant la formule du vis-à-vis contextuel par le biais du département des Arts graphiques, il expose, face à des meubles et objets, une sélection de dessins qui, mis à plat, composent une entrée dans l’imaginaire esthétique d’un ensemblier au profil remarquable.

 

Projet pour le hall d’un chalet à Megève. Jean Royère (1902-1981). France, 1953-1956. Crayon et gouache sur papier. Inv. 49070 © Les Arts Décoratifs

 

Né en 1902, issu d’un milieu aisé, se saisissant d’une expérience empirique inventée au contact du Faubourg Saint-Antoine, Royère s’impose, au tournant des années 1930-1940, comme un créateur au génie décoratif qui fait la différence. Sensible à « l’univers des formes » construit en Scandinavie ou en Italie par des Alvar Aalto ou Gio Ponti, jamais il ne reproduit, créant, tout à l’inverse, un nouveau pas virtuose qui organise, dans le fonctionnalisme, l’harmonie des conjonctions : volumes et hauteurs, graphes arrondis ou pentus, biomorphisme des courbes et courbures, structures tubulaires malmenées, bousculées encore, alternances sinusoïdales, lianes et bouquets de luminaires grimpant sur les murs à la manière de lierres métalliques, gras léger du crayon, gouaches primaires et/ou acidulées qui, presque déjà « Pop », livrent au regard des intérieurs rêvés.

 

Hall de l’hôtel St Georges à Beyrouth : salon vert. Jean Royère (1902-1981), France, 1955. Crayon et gouache sur papier. Inv. 48495 94 © Les Arts Décoratifs

 

Chambres à coucher ou living pour les « élites » internationales, ces dessins laissent voir, au carrefour des années 1950-1960, la matérialité des commandes confiées à un créateur qui, dans sa génération comme dans son style, propulse un design drôle et coloré, signature personnelle d’une architecture intérieure souvent qualifiée de féerique.

Agnès Callu

 

Projet de salon pour le Salon des Artistes décorateurs de 1955. Jean Royère (1902-1981) France, 1955. Crayon et gouache sur papier. Inv. 49068 © Les Arts Décoratifs

 

Constantin Guys (1802-1892). Des dessins pour des reportages.

Voyageur et dessinateur inlassable, l’autodidacte Constantin Guys, l’un des premiers artistes reporters du XIXe siècle, traque, à travers l’Europe (Paris, Londres, Naples, Madrid, Crimée…) et l’Orient (Constantinople…) – tantôt pour un célèbre hebdomadaire londonien, tantôt pour son propre compte – ses sujets de prédilection : la guerre, la ville moderne et les femmes.

Autorités forçant le château d'Eu. Constantin Guys (1802-1892) France, XIXe siècle. Plume, lavis, encres et aquarelle. Inv. 34683 © Les Arts Décoratifs

 

À dix-huit ans, son caractère aventureux le mène en Grèce pendant une grande partie de la Guerre d’indépendance (1821-1830) ; puis il s’engage en 1827 dans le régiment français de Dragons qui lui permet de découvrir l’Europe et l’Orient. Enfin, en 1844, il s’installe en Angleterre où il est recruté comme dessinateur reporter par Herbert Ingram, fondateur-directeur du premier hebdomadaire illustré d’Europe, l’Illustrated London News. Véritables chasseurs d’images, les artistes reporters pouvaient suivre les actions de guerre beaucoup plus facilement que les photographes de l’époque, alors encore soumis à de longs temps de pose. Durant vingt ans, Guys, muni de son crayon, de sa plume et de ses encres, parcourt l’Europe à l’affût des guerres – il illustre, notamment, à l’aquarelle la Guerre de Crimée (1853-1856) – des révolutions et révoltes, ou encore des fêtes royales et princières des cours françaises et anglaises. Il croque de mémoire et en couleur des scènes, d’un trait rapide et schématique – préservant ainsi une impression de travail sur le vif – qu’il retravaille à la recherche d’une composition finale pertinente pour le journal. Artiste modeste, Guys signe rarement ses œuvres, qui sont envoyées rapidement aux ateliers de gravure du journal britannique pour être interprétées en gravures et publiées aux côtés de chroniques rédigées de sa main. À la mort accidentelle du directeur du journal en 1860, il rentre en France où il retrouve un cercle restreint d’amitiés littéraires et artistiques avec lesquelles, malgré son caractère solitaire, il entretient des rapports à la fois intimes, comme en témoignent ses correspondances, et marchands, plusieurs d’entre eux acquérant ses dessins. Parmi eux – le tandem est célèbre – Charles Baudelaire. Admirateur et collectionneur des œuvres du dessinateur, il écrit Le Peintre de la vie moderne en 1863 dans lequel l’artiste « M.G. » n’est autre que Constantin Guys. Ce dernier fréquente aussi Paul Gavarni, dessinateur collaborateur du Charivari et de l’Illustrated London News, qui lui permet de rencontrer les frères Goncourt. Enfin, il se rapproche de Manet et de Nadar, chacun faisant son portrait. Son retrait de la vie sociale est entériné par son accident : il meurt en 1892, isolé et dans la plus grande misère.

Deux jeunes espagnoles. Constantin Guys (1802-1892) France, XIXe siècle. Plume, lavis, encres et aquarelle. Inv. 34715 © Les Arts Décoratifs

 

Le département des Arts graphiques propose de redécouvrir ce chroniqueur du Second Empire par l’intermédiaire d’une quinzaine d’œuvres, représentatives de l’ensemble de la production. Issues de la cinquantaine de dessins conservés au musée des Arts décoratifs, ces feuilles, par la variété du trait autant que par l’apposition de mentions manuscrites, assurent la spécificité d’un geste entre Créativité et Journalisme.

 

Débarquement des troupes françaises au cap Kerson. Constantin Guys (1802-1892) France, XIXe siècle. Plume, lavis, encre et aquarelle. Inv. 34706 © Les Arts Décoratifs

 

Morgane Lanoue

 

Accrochage « Physionotraces : galerie de portraits, de la Révolution à l’Empire »

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 3 – Salle 15
 
28 mars 2012 – 2 juillet 2012
 

Le Cabinet des Dessins du musée des Arts décoratifs propose à la connaissance cinquante-quatre portraits d’anonymes, réalisés à la fin du XVIIIe et au début du XIXesiècle grâce au physionotrace. Cette curieuse machine, inventée par Gilles-Louis Chrétien en 1784, reproduit, par un procédé de mécanisation du dessin, l’exacte physionomie du sujet sous la forme d’une esquisse grandeur nature, réduite puis gravée en série. Le succès de ces petites effigies, jugées frappantes de ressemblance par les contemporains, ne se fait pas attendre. À la Révolution, puis sous l’Empire, toute la bonne société (nobles, bourgeois, politiciens ou intellectuels) vient se faire portraiturer, dans le quartier du Palais-Royal, en quelques minutes et à moindre coût.

 

Portrait de femme, Edme Quenedey (1756-1830), 1801-1805, dessin au physionotrace, gravure. Inv. 43549. © Les Arts Décoratifs

 

Le physionotrace, dont le fonctionnement suscite plusieurs hypothèses, est aujourd’hui mieux connu. Il s’agit d’une haute armature de bois dressée sur pieds, de 1,75 m de hauteur sur 65 cm de largeur. Le sujet se place de profil dans l’encadrement de l’appareil, sur un fond noir, immobile, la tête calée par un support. Entre les montants se trouve, à la verticale, un large pantographe (instrument formé de tiges articulées, permettant de produire une copie proportionnelle au dessin original), dont l’une des branches se prolonge sur 1 m environ. Celle-ci, mobile, s’abaisse ou s’élève en fonction des mouvements effectués par l’opérateur. Sur le côté de cette grande règle se tient un « visier », constitué de deux fils se coupant perpendiculairement. Fixé à son extrémité, un crayon reproduit sur une feuille de papier le parcours tracé par le dessinateur, qui suit avec son « œil » les contours du modèle. En quelques minutes, il obtient un profil grandeur nature de la figure et du buste du client, appelé « grand trait ». Il s’emploie ensuite à compléter le plus fidèlement possible cette ébauche avec les détails du visage et du vêtement. Commence alors le travail de réduction, cette fois grâce à un pantographe ordinaire. Le dessin est reporté sur une plaque de cuivre, puis gravé à l’eau-forte en plusieurs exemplaires. Moins d’une semaine après la séance de pose, l’artisan fournit ainsi au client un package comprenant le tracé grandeur nature, la plaque de métal gravée, ainsi que douze tirages. Si l’acheteur en a les moyens (au moins 3 livres de plus par exemplaire colorié), ces « physionotraces » peuvent être aquarellés, ou même directement gravés en couleur.

 

Homme de trois-quart cheveux poudrés noués, Edme Quenedey (1756 - 1830), XVIIIe siècle (fin) physionotrace, gravure. Inv. 43578 © Les Arts Décoratifs

 

En France, le physionotrace ne semble avoir été utilisé sous sa forme la plus aboutie que par Chrétien et ses associés successifs. Quelques silhouettistes s’essayent au procédé, mais sans acquérir la même renommée. Edme Quenedey (1756-1830) est sans doute celui qui fournit la production la plus importante : à preuve, les quelques 2800 portraits conservés à la Bibliothèque nationale de France. Dessinateur et graveur, il se met à son compte après la fin de sa collaboration avec Chrétien en 1789. Émigré à l’étranger de 1794 à 1801, Quenedey exporte la technique à Hambourg. L’inventeur de la machine continue lui aussi à exploiter le procédé de son côté, puis s’associe successivement aux dessinateurs Fouquet et Fournier. À la mort de Chrétien en 1811, Étienne Bouchardy reprend l’affaire. La production ne cesse malheureusement de décroître en France, et l’arrivée de la photographie rend le procédé rapidement dépassé. Aux États-Unis, de 1794 à 1814, le Français Févret de Saint-Mémin introduit la technique : il laisse à la postérité plusieurs centaines de portraits de personnalités américaines, à l’instar de Georges Washington ou Thomas Jefferson.

 

Femme de profil portant des poissardes, Edme Quenedey (1756-1830), XVIIIe siècle (fin), dessin au physionotrace, gravure. Inv. 43574 © Les Arts Décoratifs

 

La cinquantaine de physionotraces exposés par le Cabinet des Dessins du musée des Arts décoratifs est issue d’un corpus comptant une centaine d’œuvres, entrées dans les collections en 1970 grâce au legs de Marie-Odette Achouch-Gourandy, fille adoptive du général Gourandy. L’ensemble est particulièrement représentatif de la production entre le début de la commercialisation de ces portraits en 1788 et le déclin du procédé dans les années 1820. La reproduction exacte des traits, autant que la rapidité d’exécution, annoncent les prémices de la photographie. La présence de figures anonymes comme celle de personnages bien connus de l’Histoire, hommes et femmes, démontre la popularité de cette technique à bon marché qui démocratise l’art du portrait. L’intérêt des œuvres n’est pas seulement esthétique ou historique. En filigrane des bouleversements politiques d’une période de fracture, les physionotraces dessinent également une histoire sociologique du goût, accessible par l’interprétation à donner aux évolutions des ornements du corps, du costume à la coiffure.

Pauline Juppin

 

Accrochage « Tissus simultanés de Sonia Delaunay : dessins en couleurs (1924-1949) »

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 8 – Salle Royère
 
28 mars 2012 – 2 juillet 2012
 

Attaché à montrer le travail instinctif de Sonia Delaunay (1885-1979) qui multiplie les recherches picturales autour d’une exploration de la lumière, du mouvement des couleurs et de leur « contraste simultané », le département des Arts graphiques propose l’accrochage d’une dizaine d’oeuvres autour de la création de cette pionnière de l’abstraction.

 

Projet de tissu simultané n° 6, Sonia Delaunay, 1924, gouache lavée, inv. 40393. © Les Arts Décoratifs

 

Cette sélection de dessins pour des tissus simultanés – pensée pour le Drawing now in Paris 2012 – expose, au format d’un corpus raisonné, motifs géométriques, formes éclatantes, compositions rythmiques et rythmées, à la manière d’un hommage pour celle qui entendit la demande sociale de son temps, à la recherche, pour l’ornement des corps autant que celui de la maison, du « chant sensuel de la couleur ».

 

Projet de tissu simultané n° 1196, Sonia Delaunay, 1948, gouache lavée, inv. 40423. © Les Arts Décoratifs

 

Offertes au musée des Arts décoratifs dès 1966 par Sonia Delaunay elle-même, les œuvres : chevrons à la verticale, décors alternés, larges bandeaux, subtiles diagonales, rectangles convexes, rayures chatoyantes, losanges superposés, lignes brisées ou chavirées, brillent en sombre et en couleurs sur le violet de la nouvelle cimaise du musée des Arts décoratifs ; lascives en même temps que jazzy, elles ondulent aussi au gré du tempo marqué par Django Reinhardt, camarade du critique musical Charles Delaunay, fils de Robert et Sonia.

Agnès Callu

 

Projet de tissu simultané, Sonia Delaunay, 1927, inv. 40411. © Les Arts Décoratifs