Archives de catégorie : Actualités / News

Accrochage « Tissus simultanés de Sonia Delaunay : dessins en couleurs (1924-1949) »

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 8 – Salle Royère
 
28 mars 2012 – 2 juillet 2012
 

Attaché à montrer le travail instinctif de Sonia Delaunay (1885-1979) qui multiplie les recherches picturales autour d’une exploration de la lumière, du mouvement des couleurs et de leur « contraste simultané », le département des Arts graphiques propose l’accrochage d’une dizaine d’oeuvres autour de la création de cette pionnière de l’abstraction.

 

Projet de tissu simultané n° 6, Sonia Delaunay, 1924, gouache lavée, inv. 40393. © Les Arts Décoratifs

 

Cette sélection de dessins pour des tissus simultanés – pensée pour le Drawing now in Paris 2012 – expose, au format d’un corpus raisonné, motifs géométriques, formes éclatantes, compositions rythmiques et rythmées, à la manière d’un hommage pour celle qui entendit la demande sociale de son temps, à la recherche, pour l’ornement des corps autant que celui de la maison, du « chant sensuel de la couleur ».

 

Projet de tissu simultané n° 1196, Sonia Delaunay, 1948, gouache lavée, inv. 40423. © Les Arts Décoratifs

 

Offertes au musée des Arts décoratifs dès 1966 par Sonia Delaunay elle-même, les œuvres : chevrons à la verticale, décors alternés, larges bandeaux, subtiles diagonales, rectangles convexes, rayures chatoyantes, losanges superposés, lignes brisées ou chavirées, brillent en sombre et en couleurs sur le violet de la nouvelle cimaise du musée des Arts décoratifs ; lascives en même temps que jazzy, elles ondulent aussi au gré du tempo marqué par Django Reinhardt, camarade du critique musical Charles Delaunay, fils de Robert et Sonia.

Agnès Callu

 

Projet de tissu simultané, Sonia Delaunay, 1927, inv. 40411. © Les Arts Décoratifs

 

« Abstractions 50 », atelier Grognard, Rueil-Malmaison

L’exposition « Abstractions 50 », Atelier Grognard de Rueil-Malmaison, du 9 décembre 2011 au 19 mars 2012.

 

Vieira da Silva - L'Atelier à l'Harmonium, 1950, huile sur toile, inv DG 255 - © Adagp

 

L’exposition « Abstractions 50 » qui se tient à l’atelier Grognard de Rueil-Malmaison intéresse car, partout, la passion s’y diffuse. Celle, évidente, des deux commissaires, François Callu Mérite et Sylvain Féat, qui montrant un corpus éclaté dans l’univers des formes, offre un goût très sûr, revendiqué depuis longtemps, à lire dans le catalogue d’impressionnantes collections personnelles autant que dans l’itinéraire sélectif de rétrospectives au choix monographique. On pense singulièrement, pour la Galerie Callu Mérite, aux accrochages dédiés à Camille Bryen dès 1988 ou à l’audacieuse promotion en 2000 du « cordonnier in partibus », Gaston Chaissac. Mais l’acte passionnel, surplombant cette affaire/histoire de goût, générationnellement pointue chez des collectionneurs nés immédiatement avant 1940, transpire dans l’étonnant ensemble de quelque quatre vingt œuvres proposés au regard, structurées, sur le registre notionnel, autour de la nature, du signe, des couleurs, des géométries ou des origines. Là, couvrant la stance temporelle 1945-1964, s’expose une abstraction plurielle nouée pourtant autour de fondamentaux communs avancés, en expert, par Pierre Francastel : « […] refus des procédures technologiques ravalées au rang de passe-temps décoratifs ; exclusion de la figure, sauf si elle provient de l’inconscient, de la naïveté ou de la folie. Une prédilection pour l’instinct, la sensation, le corps, le geste, la subjectivité libérée et projetée sur la toile qui nourrit surtout l’abstraction chaude ou lyrique, éternel pendant dionysiaque de la rigueur apollinienne […] ».

 

Camille Bryen, Racine, 1947, dessin sur papier © Adagp

 

Nourri des mêmes classifications nietzschéennes converties en grilles de lecture esthétique, le philosophe Gaëtan Picon, directeur des Arts et Lettres auprès de Malraux au tournant des années 1960, aime, comprend, interprète cette création d’inspiration novatrice dont il favorise la légitimation, en espérant la rencontre avec le patrimoine. Parmi les œuvres exposées où, à la manière d’un portrait de groupe, s’alignent les profils d’Hartung, Estève, Manessier, Lanskoy, Soulages ou Nicolas de Staël, un artiste « piconien » aimante le regard : Roger Bissière et sa détrempe sur papier datée 1950, intitulée « Papillon ». De Bissière, Picon fait l’éloge en 1964 avant que de participer, deux ans plus tard à l’exposition de son travail au musée des Arts décoratifs : « Il me semble que si nous tentons de penser à Bissière généralement, essentiellement, comme lui-même l’a fait au monde, nous pensons d’abord à lui comme à ce peintre qui ne s’est pas soucié des chefs-d’œuvre, qui n’a pas cru avoir une mission, n’a pas voulu laisser dans l’histoire un monument servant d’exemple, qui a proclamé son horreur des barrières, des systèmes, son incompréhension des mots comme recherche et problème, qui a dit, par contre, que la peinture n’est pas un choix, mais une fatalité, que le peintre produit ses tableaux comme un pommier ses pommes, nous pensons à lui comme à ce peintre qui a simplement restitué le monde qu’il a absorbé, puisqu’il y a un échange entre la sensibilité et le monde et que le tableau est fait à la fois pour vivre, posséder, approfondir la richesse intime de cet échange et pour la tenir à distance, l’écarter de soi comme si, sans ce dédoublement, elle risquait d’être suffocante, intolérable, de telle sorte que l’œuvre est un miroir où se projette et se regarde l’éblouissement intérieur qui, sans cela, ne serait qu’un aveuglement, ou encore, comme Bissière l’a écrit, un feu allumé pour avoir moins froid, un feu pour être son ami, comme l’avait déjà dit Eluard, et où il jette, le peintre comme le poète, les forêts, les buissons, les champs de blé, les vignes – les nids et leurs oiseaux, les maisons et leurs clefs […]. »

 

Hartung Hans, Sans titre, 1956, encre de chine sur papier - © Adagp

 

À chercher la matérialité du goût de Gaëtan Picon, on peut sans doute en frôler l’intuition au moins quand on circule parmi les œuvres intelligemment montrées et démontrées dans « Abstractions 50 ».

 

Agnès Callu

Vestibule - coupe sur la largeur au 1/10e de la Maison Pompéienne d'Alfred Normand

Accrochage Dessiner pour le Prince Napoléon : la Maison Pompéienne d’Alfred Normand (1822-1909)

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
 
17 février 2012 – 8 juin 2012
 
 

Résultat esthétique surprenant en même temps que conforme aux goûts d’une génération qui rêve d’Antiquité, la Maison Pompéienne du Prince Jérôme Napoléon, cousin de l’Empereur et frère de la Princesse Mathilde, compose un ensemble architectural, définitivement « Napoléon III ».

 

Vestibule - coupe sur la largeur au 1/10e de la Maison Pompéienne d'Alfred Normand

Vestibule - coupe sur la largeur au 1/10e de la Maison Pompéienne, Alfred Normand, 1862. Inv. 45383

 

En effet, dès 1855, le prince, dit « Plon-Plon », confie ce projet à l’architecte Alfred Normand, sur les conseils de Jacques Hittorff, théoricien de « l’architecture polychrome chez les Grecs ». Normand, issu de l’Ecole des Beaux-Arts, Grand Prix de Rome, en attelage avec l’ornemaniste Charles Rossigneux (1818-1907), engage alors le chantier avenue Montaigne, à l’emplacement du Pavillon des Beaux-Arts de l’Exposition universelle de 1855. De 1856 à 1860 – le gros œuvre est achevé en 1858 – s’élève un véritable palais, modèle d’architecture néo-grecque, imaginé par le Prince comme l’écrin somptueux à offrir à son amie, la comédienne Rachel.

 

Alfred Normand

Alfred Normand dans son atelier de la rue des Martyrs, photographie anonyme, s.d.

 

La demeure est ainsi décrite : « […] Le décor fourni par Normand au Prince et à ses amis était une copie très libre d’une demeure pompéienne, dans le genre de la villa de Diomède, de la maison de Pansa ou de celle du Poète tragique, dans lesquelles les pièces principales s’ouvraient sur un atrium complet avec son impluvium et son compluvium. Les murs étaient décorés dans le troisième style illusionniste de Pompéi, d’une suite de groupes symbolistes peints sur les panneaux par Sébastien Cornu. Des bustes de la famille Bonaparte entouraient le bassin et une statue de Napoléon Ier faisait face à la porte d’entrée […]. Les couleurs étaient chaudes (le rouge et le noir prédominaient sur les murs) ; l’ornementation, lourde et contournée, tout était intense dans cette demeure minuscule […] ».

 

Projet pour la Maison Pompéienne du Prince Napoléon

Projet pour la Maison Pompéienne du Prince Napoléon (peut-être pour l'atrium), Alfred Normand, c. 1860. Inv. 35 309 B1 et B2.

 

Les quelque 400 dessins, alliage visuel remarquable, mêlant, sur un rythme ternaire : vermillon, noir fusain et ocre cendré, servent la restitution contemporaine d’un espace (détruit en 1891) dont les proportions, en songe, étaient pensées monumentales. Ils intègrent les collections des Arts décoratifs en 1945-1947 grâce à Paul Normand, fils d’Alfred, architecte lui-aussi. Cet ensemble de « tous les dessins ou épures, encadrés ou non relatifs à l’hôtel pompéien », un temps dirigé vers la Bibliothèque des Arts décoratifs, rejoint le Cabinet des Dessins aux tournants des années 1970 : il rend le plus beau des hommages à la création d’un artiste qui, témoin des envies de son temps, intégra ses visions d’un Pompéi, surpris en calotypes, au chromatisme luxueux du Second Empire.

Agnès Callu

Projet pour la grande serre de la fontaine de la Maison Pompéienne, Alfred Normand

Projet pour la grande serre de la fontaine de la Maison Pompéienne, Alfred Normand, c.1856. Inv. CD 2818.6 a

 

Exposition : « Que du dessin… » au musée Bourdelle

« Que du dessin », exposition prolongée jusqu’au 11 mars 2012 au musée Bourdelle. 18, rue Antoine Bourdelle, 75015 Paris.

 

« La sculpture, c’est du dessin dans tous les sens ». Antoine Bourdelle (1861-1929), l’un des plus éminents sculpteurs de sa génération, praticien de Rodin, maître de Giacometti, envisage le dessin comme l’un des principaux fondements de la construction artistique. A juste titre. L’exposition Que du dessin, organisée au musée Bourdelle à l’occasion du 150ème anniversaire de la naissance de l’artiste, démontre l’étroitesse des liens que l’artiste entretenait avec cette forme d’expression. Deux cents feuillets, sélectionnés au sein d’un important fonds de dessins récemment inventorié avoisinant les sept mille pièces, retracent  la production graphique de Bourdelle de 1875 à 1929. Ils révèlent, ainsi, les traits d’une personnalité artistique remarquable, effervescente et multiforme. Qu’il s’agisse des œuvres aux tons sombres des débuts ou des recherches polychromes plus tardives, le dessin apparaît toujours comme le complice perpétuel et indéfectible des aspirations créatrices de Bourdelle. Il est l’outil de l’inventivité comme des plus studieuses analyses. C’est ainsi que le sculpteur se plie à l’exercice académique de la copie lorsqu’il reproduit les œuvres croisées lors de ses voyages (collections de musées, tympans d’églises, etc.). Crayon, plume, aquarelle, fusain, pastel… Les techniques employées sont diverses et variées. Chaque esquisse est une œuvre à part entière, une création singulière parfois signée du monogramme original de l’artiste. Bourdelle, dessinateur ou sculpteur ? La critique le considère comme l’un et l’autre. Le dessin, qu’il soit exécuté « sur le vif » ou de mémoire, est pour l’artiste la clef d’un monde évanescent et frémissant. Il exécute, tour à tour, des nus alanguis, des scénettes de la vie quotidienne et s’essaie même aux figures insaisissables de la danse. Les pas virtuoses de Nijinski et d’Isadora Duncan hantent ses œuvres tels d’improbables génies aux attitudes ondoyantes… L’art du trait est aussi, pour lui, l’occasion de croquer l’intime et l’onirique. Aux touchants portraits d’enfants et de proches, puis aux compositions érotiques méconnues, se succèdent les représentations fantasmagoriques d’anges ou de centaures. A l’écoute des évolutions artistiques de son temps, Bourdelle se laisse aussi  aller à la dénaturation des formes, engagée alors par le cubisme et le futurisme. En forme de conclusion, l’exposition établit un dialogue entre la sculpture et le dessin, mettant en regard les esquisses préparatoires et les œuvres plastiques de ce visionnaire honoré de commandes officielles (bas-reliefs de la façade du théâtre des Champs-Elysées, monuments aux morts…). Hors de la force structurale de la sculpture, le dessin apparaît comme l’expression d’une sensibilité différente et nécessaire chez Bourdelle, qui l’a toujours considéré comme une «  part essentielle » de sa vie d’artiste.

 

                                                                                                                                                                                                        Pauline Juppin

 

 


Accrochage Dessins d’André Charles Boulle (1642-1732)

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
 
29 novembre 2011 – 15 mars 2012

 

Le Cabinet des Dessins propose une sélection raisonnée de vingt œuvres graphiques issues de ses collections propres et, pour partie, déjà présentée à Francfort lors de l’exposition André Charles Boulle : un nouveau style pour l’Europe en 2009.

 

Projet pour un bureau plat à têtes de femme, André Charles Boulle, c.1715. Inv. 723 B3.

 

Le profil de Boulle, très connu, mérite l’examen rapide. Son père, « menuisier en ébène », d’origine allemande établi à Paris, décelant très tôt chez lui un talent pour l’ébénisterie, décide de le former au dessin, à la sculpture en ronde bosse, à la reparure ainsi qu’à la ciselure et la dorure. Le rôle de Colbert est par la suite décisif dans le saut qualitatif d’une carrière en progression dès le tournant des années 1670 : en 1672, le « Grand Commis » lui commande des meubles, à titre personnel, puis pour le compte de l’État ; il lui décerne le titre d’ébéniste et marqueteur ordinaire du Roi ; il lui obtient un logement aux « Galleries du Louvre », où sont réunis les grands artisans et artistes du royaume. À la faveur de conditions de travail exemplaires, Boulle œuvre alors à Versailles où l’on se souvient qu’il réalise les appartements du Grand Dauphin et leur précieux Cabinet des Miroirs (1682-1683).

 

Projet de torchères, André Charles Boulle (attribué à), début XVIIIe s. Inv.723 A1.

 

En 1677, toujours grâce à Colbert, Boulle s’installe dans un atelier plus vaste encore où l’ouvrage collectif (pas moins de quinze compagnons y travaillent), familial aussi, est autorisé. Boulle, dessinateur, est encore marchand d’estampes et collectionneur. De fait, sa création s’inspire de sa collection de dessins et de tableaux qui compte les plus grands, de Jules Romain à Stefano Della Bella, en passant par Robert Nanteuil. La culture de Boulle, doublée d’une prodigieuse capacité de renouvellement esthétique et rendue opératoire grâce aux subventions et soutiens qui lui sont concédés, aboutissent à la novation sans précédent qu’il impose dans la conception du mobilier de la fin du XVIIe siècle : à preuve, le fameux bureau plat de Boulle, pensé dès la fin des années 1680 : le meuble, doté dans un premier mouvement, de quatre pieds en sabre et d’un tiroir central saillant, se présente, en définitive, sans caisson central, ni latéral et possède des pieds désormais remplacés par des jambes de biche, surmontées de têtes de satyre.

 

Projet de console d'applique pour l'Amour vainqueur du Temps, André Charles Boulle, avant 1700. Inv. 723 D4.

 

Cet accrochage, outre l’influence considérable de Boulle dont, une fois encore il assure la manifestation, rend hommage – au plan historiographique – aux collections matricielles du département des Arts graphiques. Effectives au début de la IIIe République grâce aux généreuses initiatives de Philippe de Chennevières, de Maurice Fenaille ou de l’incontournable Jules Maciet, elles s’enracinent aussi grâce à des acquisitions onéreuses majeures réalisées par l’Union centrale des Arts décoratifs (UCAD) : ainsi l’achat, à l’occasion de la vente Monbro en 1885, d’une partie des pièces exposées dans cet accrochage : soit, à l’origine, un album de seize planches contenant vingt projets de meubles à la plume et sanguine, alors attribués à Boulle.

 

Agnès Callu et Morgane Lanoue

Le cabinet des dessins : « hors les murs » 2011

Retrouvez des œuvres du Cabinet des dessins du musées des Arts décoratifs, en France et à l’international, au sein des expositions suivantes :

EN FRANCE :

Projet de décoration intérieure avec alcôve, Ecole Française, c.1790. Inv 2004.172.1

« L’hôtel particulier. Une ambition parisienne »

Cité de l’architecture et du Patrimoine
Galerie haute des expositions temporaires
1 place du Trocadéro
75016 Paris

05 octobtre 2011 – 19 février 2012

 

 

 

 

 

Modèle de saucière, Robert-Joseph Auguste, XVIIIe siècle. Inv. 24722 A

« Dessins d’orfèvrerie de l’atelier de Robert-Joseph Auguste (1723-1805) » 

Musée Nissim de Camondo
63 rue de Monceau
75008 Paris

16 novembre 2011 – 1er avril 2012

 

 

 

 

 

 

Projets de couvercle de tabatières, France, c. 1760. Inv. 9025.2.a-b-c

« Boîtes en or et objets de vertu »

Musée Cognacq-Jay
8 rue Elzévir
75003 Paris

21 décembre 2011 – 6 mai 2012

 

 

 

 

 

 

A L’ETRANGER :

Modèles de chapeaux, Elsa Schiapparelli, collection hiver 1937. Inv. UF D 73.21.1348

 

« Fashion ♥ Art: A Passionate Affair »

Gemeentemuseum – La Haye
Stadhouderslaan 41
2517 HV Den Haag
Postbus 72
2501 CB Den haag 
 

3 Septembre 2011 – 8 Janvier 2012