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Epistémologie du dessin (2014-2015), XIX-XXIe siècles : concepts, lectures et interprétations”, séminaire d’Agnès Callu (CNRS/IHTP et Ecole des Chartes)

ÉPISTÉMOLOGIE DU DESSIN, ANNÉE UNIVERSITAIRE 2014-2015

 

Concepts, lectures et interprétations, XIX-XXIe siècle

Séminaire organisé par le CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP) et l’École nationale des Chartes, année universitaire 2013/2014

les vendredis de 12h à 14h à l’École nationale des Chartes.

  • École nationale des Chartes, premier étage, grande salle – 19, rue de La Sorbonne 
    Paris, France (75005)

 

Par Agnès CALLU (École des Chartes, CNRS/IHTP)

 

Résumé

Réfléchir aux fondements du dessin – lieu d’inspiration pour l’artiste, « activateur de pensée », projection de fantasmes artistiques, trace balbutiante de compositions « in progress », transcription brute d’imaginaires figurés, « premier jet » graphique d’abstractions conceptuelles, vérification « sur pièces » d’hypothèses rêvées, essai visant à tester la capacité réalisatrice, aboutissement d’utopies intangibles par d’autres techniques, etc. – autant que poser les pratiques et usages sociaux du dessin – intimité secrète d’une œuvre à l’amont de son processus, circulation d’une ébauche servant de modèles aux disciples, projet destiné aux commanditaires, fondement de l’enseignement artistique au XIXe siècle, objet de convoitise des collectionneurs, trace mobile aisément reproductible, etc. –, inscrit le débat d’idées à la frontière de l’histoire de l’art, de la génétique et de l’histoire culturelle. De fait, par l’examen approfondi de corpus diversifiés croisant des grilles d’analyses pluridisciplinaires, le séminaire, sur le registre de l’anthropologie culturelle, questionne les « racines de l’œuvre », isole aussi ses fonctions socio-esthétiques grâce à une typologie critique.

 

Responsable scientifique

  • Agnès CALLU (École des Chartes, CNRS/IHTP)

Ancienne élève de l’École nationale des Chartes (thèse publiée sur la Réunion des musées nationaux sous la IIIe République, Prix Lenoir) et de l’Institut national du Patrimoine (INP), Docteur en histoire contemporaine de l’IEP / Sciences Po – Paris (PhD) (thèse publiée sur le philosophe nietzschéen Gaëtan Picon, Prix Chaix d’Est Ange), Habilitée à diriger des recherches (HDR) à l’EPHE (dossier d’habilitation intitulé « Culture, Médias et Patrimoines : enjeux contemporains »), Agnès Callu est historienne, conservateur du Patrimoine au musée des Arts décoratifs, chargé du Cabinet des Dessins, chercheur permanent au CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP) et chercheur associé à Sciences Po (Centre d’Histoire de Sciences Po, CHSP), chargé de cours l’École nationale des Chartes.

 

Présentation

Réfléchir aux fondements du dessin – lieu d’inspiration pour l’artiste, « activateur de pensée », projection de fantasmes artistiques, trace balbutiante de compositions « in progress », transcription brute d’imaginaires figurés, « premier jet » graphique d’abstractions conceptuelles, vérification « sur pièces » d’hypothèses rêvées, essai visant à tester la capacité réalisatrice, aboutissement d’utopies intangibles par d’autres techniques, etc. – autant que poser les pratiques et usages sociaux du dessin – intimité secrète d’une œuvre à l’amont de son processus, circulation d’une ébauche servant de modèles aux disciples, projet destiné aux commanditaires, fondement de l’enseignement artistique au XIXe siècle, objet de convoitise des collectionneurs, trace mobile aisément reproductible, etc. –, inscrit le débat d’idées à la frontière de l’histoire de l’art, de la génétique et de l’histoire culturelle. De fait, par l’examen approfondi de corpus diversifiés croisant des grilles d’analyses pluridisciplinaires, le séminaire, sur le registre de l’anthropologie culturelle, questionne les « racines de l’œuvre », isole aussi ses fonctions socio-esthétiques grâce à une typologie critique. De la sorte, fidèle aux interrogations du philosophe Gaëtan Picon arpentant les « Sentiers de la Création » aux tournants des années 1970 lorsqu’il évoque, par exemple, les dessins de Miró, pour la plupart inaboutis : « […] ce témoignage sur ce qui aurait pu être n’a pas moins d’importance. Le pays de la création est plein de ces chemins dont parle Heidegger, qui ne mènent nulle part, si ce n’est aux entrelacs de leur errance. Que la création avant d’être l’acte irréparable de l’œuvre, ait été intention, puissance, nous le voyons ici, de tout près […] », le séminaire cherche à toucher, frôler au moins, « l’ailleurs » de l’œuvre. Ouvrant jusqu’à l’actualité afin d’interpréter les ferments de la création la plus contemporaine, le groupe de recherche ne fait pas l’impasse sur les artistes, architectes ou designers d’aujourd’hui. Certes rompus générationnellement à l’expérience des outils numériques, beaucoup demeurent convaincus, tels les frères Bouroullec que «  […] le dessin à main levée est une instance archaïque, le réceptacle de tensions normales entre la pensée d’un projet et sa réalité […] ».

 

Programme

Pratiques culturelles du dessin

  • Séance 1/ 17 octobre 2014. « Les Cahiers dessinés : enjeux et perspectives » (Agnès Callu, ENC/IHTP-CNRS et Frédéric Pajac, dessinateur et écrivain)
  • Séance 2/7 novembre 2014. « Galeries de dessins et galeristes au tournant des années 2000 : état de situation » (Philippe Piguet, critique d’art)
  • Séance 3/ 14 novembre 2014. « Le marché du dessin : une cote et des ventes » (Mathieu Fournier, Artcurial [sous réserve])

Lectures pluridisciplinaires du dessin

  • Séance 4/12 décembre 2014. « Le dessin et l’enseignement des arts plastiques dans les années 1970 » (Jean-Miguel Pire, École pratique des hautes études)
  • Séance 5/ 30 janvier 2015. « Conditions d’une lecture esthétique du dessin » (Pierre-Philippe Jeandin, Collège international de Philosophie)
  • Séance 6/ 13 février 2015. « Pour une génétique esthétique des carnets de Miró » (Agnès Callu, ENC/CNRS-IHTP)
  • Séance 7/20 février 2015. Le dessin chez Prévert : analyse littéraire et esthétique » (Carole Aurouet, Université Paris Est-Marne-La-Vallée)
  • Séance 8/ 13 mars 2015. « Le dessin de Roni Horn : influences Dickinsoniennes » (Marjorie Micucci, Université Paris Diderot Paris 7)
  • Séance 9/ 20 mars 2015. « Le dessin industriel : à l’aplomb du beau et de l’utile » (Jérémie Cerman, Université Paris-Sorbonne)
  • Séance 10/ 27 mars 2015. « Existe-t-il un art des fous ? » (Anne-Marie Dubois, Centre hospitalier Sainte-Anne)

Egohistoires de créateurs

  • Séance 11/ 10 avril 2015. « Trajectoire, création, explicitation » (Alexis Yebra, artiste plasticien)

 

Conclusions

  • Séance 12/ 17 avril 2015« Conclusions du séminaire, III » (Agnès Callu)

DATES

  • vendredi 17 octobre 2014
  • vendredi 07 novembre 2014
  • vendredi 14 novembre 2014
  • jeudi 04 décembre 2014
  • vendredi 30 janvier 2015
  • vendredi 13 février 2015
  • vendredi 20 février 2015
  • vendredi 13 mars 2015
  • vendredi 20 mars 2015
  • vendredi 27 mars 2015
  • vendredi 10 avril 2015
  • vendredi 17 avril 2015

 

SOURCE DE L’INFORMATION

  • Agnès Callu
    courriel : acallu [at] gmail [dot] com

POUR CITER CETTE ANNONCE

« Epistémologie du dessin (2014-2015) », Séminaire, Calenda, Publié le vendredi 22 août 2014, http://calenda.org/297142

Séminaire « Dessin et Temps présent : Pour une génétique de l’en cours et de l’inachevé » par Agnès Callu (Ecole des Chartes/CNRS-IHTP) et Claire Malrieux (ENSCI)

 

Dessin et Temps présent :

Pour une génétique de l’en cours et de l’inachevé

 

Par

Agnès CALLU (Ecole des Chartes/CNRS-IHTP) et Claire MALRIEUX(ENSCI)

Séminaire de recherche et Studio expérimental

organisés avec le soutien

du Labex CAP (Création, Arts et Patrimoines)

Les séances – regroupées sur le premier semestre de l’année universitaire 2013/2014 – se tiennent le mercredi à l’ENSCI 48 rue Saint-Sabin 75011 Paris en Salle Bleue/4è étage.

Matière vive, plastique, ductible, réactive, le Dessin se saisit de la Contemporanéité, la regarde, la transcrit, l’invente, obligeant créateurs et historiens du temps présent à dialoguer ensemble pour en définir la fonction sociale et le capital symbolique. Construit sur la valeur de la dualité des profils et de la complémentarité des grilles d’interprétation : analyses historiennes et gestes créateurs, expérience de l’œuvre et interprétations notionnelles, ce projet entend poser et discuter les concepts, les lectures et les productions.

Les outils théoriques seront définis au gré de questionnements ouverts : d’un côté, des réflexions sur les périmètres et problématiques de l’actuel, de l’immédiat, du très contemporain, du présent « contenant la mémoire des choses passées et l’attente des choses à venir » ; de l’autre, des interrogations sur le statut du dessin (outil de création, système de notation, vocabulaire, lexique, pré-discours iconique, « œuvre de l’œuvre », brouillon archaïque, proto-graphem et al.) et les instances de l’objet graphique. Les lectures, toujours, seront croisées à la manière d’un chiasme : comment le dessin dit, montre, reproduit, écrit, imagine le contemporain ? De quelles manières le présent se lit dans un dessin aux frontières du code, du signe, du graphe ?

Le mode opératoire choisi est duel afin de privilégier l’intrication entre la connaissance et l’expérience. D’une part, fonctionne un séminaire de recherche fondé sur le principe de rencontres croisées entre plasticiens et historiens pour échanger sur la genèse, l’espace de médiation et les conditions de réception d’une production graphique contemporaine ; d’autre part, un studio de création expérimental : « Off line » est dédié à l’invention d’une plateforme collaborative numérique destinée à fédérer, à l’échelle hexagonale et extra-hexagonale, travaux historiens et corpus graphiques dès lors open sources soumises aux analyses et débats de la communauté scientifique et artistique internationale.

 

Séance 1. 2 octobre 2013 (11h – 13h). Présentation du Séminaire de recherche et du Studio expérimental (Agnès Callu et Claire Malrieux)

 

Séance 2. 9 octobre 2013 (9h – 13h). Studio expérimental : dessin et carte mentale de la recherche (Sabrina Issa, artiste et Claire Malrieux)

 

Séance 3. 16 octobre 2013 (11h – 16h).

11h – 13h. Studio expérimental. Schéma heuristique de la création en ligne (Julie Morel, designer et artiste net art)

14h – 16h. Séminaire de recherche. « Du voyage : histoires et représentations » (Jean-François Gleize, artiste et Francis Dhée, Paris I. Débat animé par Agnès Callu et Claire Malrieux

 

Séance 4. 23 octobre 2013 (9h – 18h). Studio expérimental. Conception multimédia (Julie Morel)

 

Séance 5. 30 octobre 2013. (11h – 16h)

11h – 13h. Studio expérimental. Mise en forme des contenus (Claire Malrieux et Julie Morel)

14h – 16h. Séminaire de recherche. « Architectures : faire et interpréter les ‘projetations’» (Pierre-Marc de Biasi, ITEM/CNRS et Martial Marquet, architecte designer). Débat animé par Agnès Callu et Claire Malrieux

 

Séance 6. 13 novembre 2013. (9h – 13h). Rendu intermédiaire des travaux : commentaires et débats (Agnès Callu et Claire Malrieux)

 

Séance 7. 20 novembre 2013. (11h – 16h)

11h – 13h. Studio expérimental. Réalisation de la maquette de la plateforme numérique (Sabrina Issa et Claire Malrieux)

14h – 16h. Séminaire de recherche. « Le dessin médiatique : la caricature, source pour l’historien ». (Jul, dessinateur à « Charlie Hebdo » et Pascal Dupuy, Université de Rouen |sous réserve]. Débat animé par Agnès Callu et Claire Malrieux

 

Séance 8. 27 novembre 2013 (9h – 13h). Studio expérimental. Réalisation de la maquette de la plateforme numérique (Sabrina Issa et Claire Malrieux)

 

Séance 9. 4 décembre 2013. (11h – 16h)

11h – 13h. Studio expérimental. Réalisation de la maquette de la plateforme numérique (Sabrina Issa et Claire Malrieux)

14h – 16h. Séminaire de recherche. « Dessiner pour résister : analyse de graphes de combat » (Pierre Fertil, ancien déporté à Neuengamme et Catherine Coquio, Paris 8 [sous réserve]). Débat animé par Agnès Callu, Eric Brossart, Musée de la Résistance de Champigny et Claire Malrieux

 

Séance 10. 11 décembre 2013. (9h – 18h). Rendu final des travaux : commentaires, débats et conclusions du séminaire (Agnès Callu et Claire Malrieux)

 

Contacts : Agnès Callu (acallu@gmail.com)

Claire Malrieux : malrieux@noos.fr

 

 

Ancienne élève de l’École nationale des Chartes (thèse publiée sur la Réunion des musées nationaux sous la IIIe République, Prix Lenoir) et de l’Institut national du Patrimoine (INP), Docteur en histoire contemporaine de l’IEP / Sciences Po – Paris (thèse publiée sur le philosophe nietzschéen Gaëtan Picon, Prix Chaix d’Est Ange), Agnès Callu est historienne, conservateur du Patrimoine au musée des Arts décoratifs, chargé du Cabinet des Dessins, chercheur permanent au CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP) et chercheur associé à Sciences Po (Centre d’Histoire de Sciences Po, CHSP), chargé de conférences à l’École pratique des hautes études (EPHE)

 

Ancienne élève de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts (Sculpture), Claire Malrieux fonde, entre 2000 et 2006, le collectif et les éditions Mix, tout en poursuivant une pratique artistique personnelle dans laquelle elle interroge le potentiel narratif de la sculpture. En 2010, elle poursuit sa formation à L’ENSCI-les ateliers où elle oriente sa production vers l’utilisation des nouveaux modes de conception et de production industriels. Mêlant nouvelles technologies, Histoire et fiction, le travail de Claire Malrieux se situe à la frontière de l’Art et de la Recherche. En 2012, elle initie « L’Atlas du temps présent », un projet graphique dans lequel elle continue d’explorer les formes narratives en associant le dessin à des processus de génération de forme.

“Epistémologie du dessin, XIX-XXIe siècles : concepts, lectures et interprétations”, séminaire d’Agnès Callu (CNRS/IHTP et Ecole des Chartes)

 

ÉPISTÉMOLOGIE DU DESSIN, ANNÉE UNIVERSITAIRE 2013-2014

Concepts, lectures et interprétations, XIX-XXIe siècle

Séminaire organisé par le CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP) et l’École nationale des Chartes, année universitaire 2013/2014

Par Agnès CALLU (École des Chartes, CNRS/IHTP)

 

Le vendredi de 12h à 14h à l’Ecole des Chartes

Grande Salle, premier étage – 19, rue de la Sorbonne
Paris, France (75005)

PrésentationRéfléchir aux fondements du dessin – lieu d’inspiration pour l’artiste, « activateur de pensée », projection de fantasmes artistiques, trace balbutiante de compositions « in progress », transcription brute d’imaginaires figurés, « premier jet » graphique d’abstractions conceptuelles, vérification « sur pièces » d’hypothèses rêvées, essai visant à tester la capacité réalisatrice, aboutissement d’utopies intangibles par d’autres techniques, etc. – autant que poser les pratiques et usages sociaux du dessin – intimité secrète d’une œuvre à l’amont de son processus, circulation d’une ébauche servant de modèles aux disciples, projet destiné aux commanditaires, fondement de l’enseignement artistique au XIXe siècle, objet de convoitise des collectionneurs, trace mobile aisément reproductible, etc. –, inscrit le débat d’idées à la frontière de l’histoire de l’art, de la génétique et de l’histoire culturelle. De fait, par l’examen approfondi de corpus diversifiés croisant des grilles d’analyses pluridisciplinaires, le séminaire, sur le registre de l’anthropologie culturelle, questionne les « racines de l’œuvre », isole aussi ses fonctions socio-esthétiques grâce à une typologie critique. De la sorte, fidèle aux interrogations du philosophe Gaëtan Picon arpentant les « Sentiers de la Création » aux tournants des années 1970 lorsqu’il évoque, par exemple, les dessins de Miró, pour la plupart inaboutis : « […] ce témoignage sur ce qui aurait pu être n’a pas moins d’importance. Le pays de la création est plein de ces chemins dont parle Heidegger, qui ne mènent nulle part, si ce n’est aux entrelacs de leur errance. Que la création avant d’être l’acte irréparable de l’œuvre, ait été intention, puissance, nous le voyons ici, de tout près […] », le séminaire cherche à toucher, frôler au moins, « l’ailleurs » de l’œuvre. Ouvrant jusqu’à l’actualité afin d’interpréter les ferments de la création contemporaine, le groupe de recherche ne fait pas l’impasse sur les artistes, architectes ou designers d’aujourd’hui. Certes rompus générationnellement à l’expérience des outils numériques, beaucoup demeurent convaincus, tels les frères Bouroullec que « […] le dessin à main levée est une instance archaïque, le réceptacle de tensions normales entre la pensée d’un projet et sa réalité […] ». 

Programme

Pratiques culturelles du dessin

Séance 1/ 11 octobre 2013.

  • « Régimes d’historicité des Cabinets d’art graphique : Le Louvre et les Arts décoratifs » (Agnès Callu et Lizzie Boubli, Louvre, CNRS-ITEM)

Séance 2/25 octobre 2013.

  • « Autour de Dess(e)ins : les traces habiles » (Claire Combeau, directrice de collection)

Séance 3/ 15 novembre 2013.

  • « Le Dessin : cartographie critique des lieux de création et monstration » (François-Marie Deyrolle, éditeur)

Lectures pluridisciplinaires du dessin

Séance 4/ 29 novembre 2013.

  • « Aragon dessinateur ou l’autre geste d’écrire » (Luc Vigier, Université de Poitiers, CNRS-ITEM)

Séance 5/ 6 décembre 2013.

« L’architecte et le dessin : critique et interprétation du graphe » (Jean-Philippe Garric, Paris I)

Séance 6/ 14 février 2014.

« Pour une génétique esthétique des carnets de Miró » (Agnès Callu, Ecole nationale des Chartes)

Séance 7/ 21 février 2014.

  • « Fondations et architectures : de l’ornement et de l’écrit japonisants aux recueils (v.1860-1900) » (Sabine Pasdelou, Paris Ouest-Nanterre-La Défense)

Séance 8/ 7 mars 2014.

« Pour une histoire globale des gestes techniques : le dessin en régime de fabrique (XVIIIe-XIXe siècles) » (Audrey Millet, Paris 8)

Séance 9/ 21 mars 2014.

« De la psychologie clinique du dessin : diagnostics et pratiques » (Claude Mesmin, Paris 8)

Égohistoires de créateurs

Séance 10/ 4 avril 2014.

« Marcher, Ecrire, Dessiner » (Jean-Christophe Norman, artiste plasticien)

Séance 11/ 25 avril 2014.

« Vers un Atlas du Temps présent » (Claire Malrieux, artiste plasticienne, ENSCI)

Conclusions

Séance 12/ 23 mai 2014.

  • « Conclusions du séminaire, II » (Agnès Callu)

 

Ancienne élève de l’École nationale des Chartes (thèse publiée sur la Réunion des musées nationaux sous la IIIe République, Prix Lenoir) et de l’Institut national du Patrimoine, Docteur en histoire contemporaine de l’IEP de Paris/ Sciences Po (thèse publiée sur le philosophe esthéticien et critique d’art Gaëtan Picon, Prix Chaix d’Est Ange), Agnès Callu est historienne, conservateur du Patrimoine au musée des Arts décoratifs, chargé du Cabinet des Dessins, chercheur associé permanent au CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP) et à Sciences Po (CHSP), chargé de cours à l’École nationale des Chartes.

 

Dates

  • vendredi 11 octobre 2013
  • vendredi 25 octobre 2013
  • vendredi 15 novembre 2013
  • vendredi 29 novembre 2013
  • vendredi 06 décembre 2013
  • vendredi 14 février 2014
  • vendredi 21 février 2014
  • vendredi 07 mars 2014
  • vendredi 21 mars 2014
  • vendredi 04 avril 2014
  • vendredi 25 avril 2014
  • vendredi 23 mai 2014

Contacts

  • Agnès Callu
    courriel : acallu [at] gmail [dot] com

Pour citer cette annonce

« Épistémologie du dessin », Séminaire, Calenda, Publié le jeudi 12 septembre 2013, http://calenda.org/259012

Accrochage – Dessins d’Augustin Dupré (1748-1833) : abstract

 

Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 3 – Salle 15
 
3 avril 2013 – 13 juin 2013

Graveur général des monnaies de France entre 1791 et 1803, Augustin Dupré est une figure majeure de la numismatique française. Natif de Saint-Etienne, il quitte à vingt ans les ateliers de gravure de la manufacture royale d’armes, se rend à Paris où il parfait sa formation d’orfèvre ciseleur et débute, à partir de 1770, une carrière de graveur en médailles. Elève de l’Académie royale de peinture et de sculpture, protégé de Houdon, ami de l’éminent Jacques-Louis David, l’artiste noue de solides relations dans les milieux institutionnels. Son sens de la composition, sa parfaite maîtrise de la glyptique lui valent plusieurs commandes importantes : parmi elles, la médaille Libertas americana, commandée par Benjamin Franklin pour célébrer l’indépendance américaine.

 

Augustin Dupré (1748-1833) France, ca. [1770-1833] Pierre noire, plume et encre métallo-gallique sur papier vergé écru Achat du musée, vente La Béraudière, 1885 Inv. 1009.17.A © Les Arts Décoratifs

Esquisse pour un flambeau-candélabre, pied composé de trois amours. Augustin Dupré (1748-1833). France, ca. [1770-1833]. Pierre noire, plume et encre métallo-gallique sur papier vergé écru. Achat du musée, vente La Béraudière, 1885. Inv. 1009.17.A © Les Arts Décoratifs

Sous la Révolution, Dupré adapte ses thèmes aux nouveaux idéaux patriotiques et affirme ses positions sur l’inévitable réforme du système monétaire. Nommé Graveur général en 1791, à la suite du concours lancé par l’Académie, il centralise la production des coins utilisés pour la frappe des monnaies dans les ateliers de l’Hôtel des monnaies de Paris, comme il participe à l’élaboration des nouveaux types monétaires engendrés par la chute de l’Ancien Régime et l’adoption du système décimal. Son action, sous-qualifiée par certains, méprisée par d’autres, ne survit pourtant pas au Consulat. Augustin Dupré continue à dessiner, graver, exposer mais ne connaît qu’une reconnaissance tardive.

 

Augustin Dupré (1748-1833) France, ca. [1770-1833] Pierre noire sur papier vergé écru Achat du musée, vente La Béraudière, 1885 Inv. 1009.15.A © Les Arts Décoratifs

Salières et modèles d’arquebuserie. Augustin Dupré (1748-1833). France, ca. [1770-1833]. Pierre noire sur papier vergé écru. Achat du musée, vente La Béraudière, 1885. Inv. 1009.15.A
© Les Arts Décoratifs

L’œuvre dessinée de celui que l’on présenta comme « l’auteur d’une sorte de régénération » de la gravure en médaille, dévoile, sous un trait sûr et inventif, les facettes d’un art nourri d’Antiquité, servi par un sens du modelé préfigurant le bas-relief. La technicité du travail s’impose dans les délicates réflexions décoratives autant que dans les compositions historiques audacieuses. Issus de la collection du comte Jacques Victor de la Béraudière (1864-1949) et achetés en vente publique en 1885, quelque trente dessins de l’artiste, enrichis d’un album de croquis, proposent au regard, outre des scènes pour des modèles de médailles, des recherches graphiques préliminaires à la réalisation de pièces d’orfèvrerie. Ainsi, l’intelligence sensible du geste créateur d’Augustin Dupré trouve la pleine occasion de se faire connaître et de rendre hommage à l’intense collection du département des Arts graphiques du musée des Arts décoratifs.

Pauline Juppin

 

Flambeau Augustin Dupré (1748-1833) France, ca. [1770-1833] Sanguine, pierre noire, plume et encre sur papier vergé écru Achat du musée, vente La Béraudière, 1885 Inv. 1009.B © Les Arts Décoratifs

Flambeau. Augustin Dupré (1748-1833). France, ca. [1770-1833]. Sanguine, pierre noire, plume et encre sur papier vergé écru. Achat du musée, vente La Béraudière, 1885. Inv. 1009.B © Les Arts Décoratifs

« Epistémologie du dessin, XIX-XXIe siècles : concepts, lectures et interprétations », séminaire d’Agnès Callu et Alice Thomine-Berrada (CNRS/IHTP et Ecole des Chartes)

 ÉPISTÉMOLOGIE DU DESSIN, ANNÉE UNIVERSITAIRE 2012-2013

Concepts, lectures et interprétations, XIX-XXIe siècle
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Résumé

Par l’examen approfondi de corpus diversifiés croisant des grilles d’analyses pluridisciplinaires, le séminaire, sur le registre de l’anthropologie culturelle, questionne les « racines de l’œuvre », isole aussi ses fonctions socio-esthétiques grâce à une typologie critique. De la sorte, fidèle aux interrogations du philosophe Gaëtan Picon arpentant les « Sentiers de la Création » aux tournants des années 1970 lorsqu’il évoque, par exemple, les dessins de Miró, pour la plupart inaboutis : « […] ce témoignage sur ce qui aurait pu être n’a pas moins d’importance. Le pays de la création est plein de ces chemins dont parle Heidegger, qui ne mènent nulle part, si ce n’est aux entrelacs de leur errance. Que la création avant d’être l’acte irréparable de l’œuvre, ait été intention, puissance, nous le voyons ici, de tout près […] », le séminaire cherche à toucher, frôler au moins, « l’ailleurs » de l’œuvre. Ouvrant jusqu’à l’actualité afin d’interpréter les ferments de la création contemporaine, le groupe de recherche ne fait pas l’impasse sur les artistes, architectes ou designers d’aujourd’hui.

Présentation

Séminaire organisé par le CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP) et l’École nationale des Chartes (EA 3624 Histoire, mémoire et patrimoine) le vendredi, de 12h à 14h à l’Ecole des Chartes

Réfléchir aux fondements du dessin – lieu d’inspiration pour l’artiste, « activateur de pensée », projection de fantasmes artistiques, trace balbutiante de compositions « in progress », transcription brute d’imaginaires figurés, « premier jet » graphique d’abstractions conceptuelles, vérification « sur pièces » d’hypothèses rêvées, essai visant à tester la capacité réalisatrice, aboutissement d’utopies intangibles par d’autres techniques, etc. – autant que poser les pratiques et usages sociaux du dessin – intimité secrète d’une œuvre à l’amont de son processus, circulation d’une ébauche servant de modèles aux disciples, projet destiné aux commanditaires, fondement de l’enseignement artistique au XIXe siècle, objet de convoitise des collectionneurs, trace mobile aisément reproductible, etc. –, inscrit le débat d’idées à la frontière de l’histoire de l’art, de la génétique et de l’histoire culturelle. De fait, par l’examen approfondi de corpus diversifiés croisant des grilles d’analyses pluridisciplinaires, le séminaire, sur le registre de l’anthropologie culturelle, questionne les « racines de l’œuvre », isole aussi ses fonctions socio-esthétiques grâce à une typologie critique. De la sorte, fidèle aux interrogations du philosophe Gaëtan Picon arpentant les « Sentiers de la Création » aux tournants des années 1970 lorsqu’il évoque, par exemple, les dessins de Miró, pour la plupart inaboutis : « […] ce témoignage sur ce qui aurait pu être n’a pas moins d’importance. Le pays de la création est plein de ces chemins dont parle Heidegger, qui ne mènent nulle part, si ce n’est aux entrelacs de leur errance. Que la création avant d’être l’acte irréparable de l’œuvre, ait été intention, puissance, nous le voyons ici, de tout près […] », le séminaire cherche à toucher, frôler au moins, « l’ailleurs » de l’œuvre. Ouvrant jusqu’à l’actualité afin d’interpréter les ferments de la création contemporaine, le groupe de recherche ne fait pas l’impasse sur les artistes, architectes ou designers d’aujourd’hui. Certes rompus générationnellement à l’expérience des outils numériques, beaucoup demeurent convaincus, tels les frères Bouroullec que «  […] le dessin à main levée est une instance archaïque, le réceptacle de tensions normales entre la pensée d’un projet et sa réalité […] ».

 

Programme

Introduction

Séance 1/ 5 octobre 2012. Le dessin : questions d’épistémologie (Agnès Callu et Alice Thomine-Berrada)

Pratiques culturelles du dessin

Séance 2/ 26 octobre 2012. Les collectionneurs de dessins : histoire de goûts et trajectoires sociales (Pierre Rosenberg)

Séance 3/16 novembre 2012. Les Cabinets de dessins dans les musées français : histoire et historiographie (Alice Thomine-Berrada)

Séance 4/ 30 novembre 2012. Le Dessin, un « happening » socio-culturel ? (Hervé Aaron [sous réserve], Salon du Dessin et Christine Phal, Drawing now Paris)

Lectures pluridisciplinaires du dessin

Séance 5/ 15 février 2013. Dessins et écriture : éléments de critique génétique (Almuth Grésillon, CNRS-ITEM)

Séance 6/ 22 février 2013.  Le dessin d’écrivain (Yves Chevrefils-Desbiolles, IMEC)

Séance 7/ 22 mars 2013. Quand les philosophes analysent le dessin (Jean-Luc Nancy)

Séance 8/ 19 avril 2013. Gaëtan Picon, généticien du dessin d’artiste (Agnès Callu)

Egohistoires de créateurs

Séance 9/ 17 mai 2013 Le dessin, « activateur de pensée » (Ronan et Erwan Bouroullec)

Conclusions

Séance 10/ 24 mai 2013. Conclusion de la première année du séminaire (Agnès Callu et Alice Thomine-Berrada)

 

Organisatrices

  • Agnès Callu (Musée des Arts décoratifs, IHTP/CNRS, EPHE)

Ancienne élève de l’École nationale des Chartes (thèse publiée sur la Réunion des musées nationaux sous la IIIe République, Prix Lenoir) et de l’Institut national du Patrimoine, Docteur en histoire contemporaine de l’IEP de Paris/ Sciences Po (thèse publiée sur le philosophe esthéticien et critique d’art Gaëtan Picon, Prix Chaix d’Est Ange), Agnès Callu est historienne, conservateur du Patrimoine au musée des Arts décoratifs, chargé du Cabinet des Dessins, chercheur associé au CNRS (Institut d’histoire du temps présent, IHTP) et à Sciences Po (CHSP), chargé de conférences à l’École pratique des hautes études (EPHE).

  • Alice Thomine-Berrada (Musée d’Orsay)

Ancienne élève de l’École nationale des Chartes et de l’Institut national du Patrimoine, Docteur en histoire de l’art de l’EPHE (thèse publiée sur l’architecte Émile Vaudremer,1829-1914), Alice Thomine-Berrada est historienne de l’art, conservateur du patrimoine au musée d’Orsay, chargé de la collection de dessins d’architecture.

 

Lieux

  • École des Chartes (grande Salle, premier étage) – 19 rue de La Sorbonne
    Paris, France (75005)

Dates

  • vendredi 05 octobre 2012
  • vendredi 26 octobre 2012
  • vendredi 16 novembre 2012
  • vendredi 30 novembre 2012
  • vendredi 15 février 2013
  • vendredi 22 février 2013
  • vendredi 22 mars 2013
  • vendredi 19 avril 2013
  • vendredi 17 mai 2013
  • vendredi 24 mai 2013

 

Jean Royère (1902-1981) : intérieurs dessinés

Le couple Jean Royère / Arts décoratifs s’inscrit dans la durée. Le musée, affectataire des archives de l’artiste, lieu de monstration de son œuvre, outil d’analyse de sa production, est un amoureux du décorateur, un habitué de ses lignes, tracés et couleurs. Aussi bien, choisissant la formule du vis-à-vis contextuel par le biais du département des Arts graphiques, il expose, face à des meubles et objets, une sélection de dessins qui, mis à plat, composent une entrée dans l’imaginaire esthétique d’un ensemblier au profil remarquable.

 

Projet pour le hall d’un chalet à Megève. Jean Royère (1902-1981). France, 1953-1956. Crayon et gouache sur papier. Inv. 49070 © Les Arts Décoratifs

 

Né en 1902, issu d’un milieu aisé, se saisissant d’une expérience empirique inventée au contact du Faubourg Saint-Antoine, Royère s’impose, au tournant des années 1930-1940, comme un créateur au génie décoratif qui fait la différence. Sensible à « l’univers des formes » construit en Scandinavie ou en Italie par des Alvar Aalto ou Gio Ponti, jamais il ne reproduit, créant, tout à l’inverse, un nouveau pas virtuose qui organise, dans le fonctionnalisme, l’harmonie des conjonctions : volumes et hauteurs, graphes arrondis ou pentus, biomorphisme des courbes et courbures, structures tubulaires malmenées, bousculées encore, alternances sinusoïdales, lianes et bouquets de luminaires grimpant sur les murs à la manière de lierres métalliques, gras léger du crayon, gouaches primaires et/ou acidulées qui, presque déjà « Pop », livrent au regard des intérieurs rêvés.

 

Hall de l’hôtel St Georges à Beyrouth : salon vert. Jean Royère (1902-1981), France, 1955. Crayon et gouache sur papier. Inv. 48495 94 © Les Arts Décoratifs

 

Chambres à coucher ou living pour les « élites » internationales, ces dessins laissent voir, au carrefour des années 1950-1960, la matérialité des commandes confiées à un créateur qui, dans sa génération comme dans son style, propulse un design drôle et coloré, signature personnelle d’une architecture intérieure souvent qualifiée de féerique.

Agnès Callu

 

Projet de salon pour le Salon des Artistes décorateurs de 1955. Jean Royère (1902-1981) France, 1955. Crayon et gouache sur papier. Inv. 49068 © Les Arts Décoratifs

 

Constantin Guys (1802-1892). Des dessins pour des reportages.

Voyageur et dessinateur inlassable, l’autodidacte Constantin Guys, l’un des premiers artistes reporters du XIXe siècle, traque, à travers l’Europe (Paris, Londres, Naples, Madrid, Crimée…) et l’Orient (Constantinople…) – tantôt pour un célèbre hebdomadaire londonien, tantôt pour son propre compte – ses sujets de prédilection : la guerre, la ville moderne et les femmes.

Autorités forçant le château d'Eu. Constantin Guys (1802-1892) France, XIXe siècle. Plume, lavis, encres et aquarelle. Inv. 34683 © Les Arts Décoratifs

 

À dix-huit ans, son caractère aventureux le mène en Grèce pendant une grande partie de la Guerre d’indépendance (1821-1830) ; puis il s’engage en 1827 dans le régiment français de Dragons qui lui permet de découvrir l’Europe et l’Orient. Enfin, en 1844, il s’installe en Angleterre où il est recruté comme dessinateur reporter par Herbert Ingram, fondateur-directeur du premier hebdomadaire illustré d’Europe, l’Illustrated London News. Véritables chasseurs d’images, les artistes reporters pouvaient suivre les actions de guerre beaucoup plus facilement que les photographes de l’époque, alors encore soumis à de longs temps de pose. Durant vingt ans, Guys, muni de son crayon, de sa plume et de ses encres, parcourt l’Europe à l’affût des guerres – il illustre, notamment, à l’aquarelle la Guerre de Crimée (1853-1856) – des révolutions et révoltes, ou encore des fêtes royales et princières des cours françaises et anglaises. Il croque de mémoire et en couleur des scènes, d’un trait rapide et schématique – préservant ainsi une impression de travail sur le vif – qu’il retravaille à la recherche d’une composition finale pertinente pour le journal. Artiste modeste, Guys signe rarement ses œuvres, qui sont envoyées rapidement aux ateliers de gravure du journal britannique pour être interprétées en gravures et publiées aux côtés de chroniques rédigées de sa main. À la mort accidentelle du directeur du journal en 1860, il rentre en France où il retrouve un cercle restreint d’amitiés littéraires et artistiques avec lesquelles, malgré son caractère solitaire, il entretient des rapports à la fois intimes, comme en témoignent ses correspondances, et marchands, plusieurs d’entre eux acquérant ses dessins. Parmi eux – le tandem est célèbre – Charles Baudelaire. Admirateur et collectionneur des œuvres du dessinateur, il écrit Le Peintre de la vie moderne en 1863 dans lequel l’artiste « M.G. » n’est autre que Constantin Guys. Ce dernier fréquente aussi Paul Gavarni, dessinateur collaborateur du Charivari et de l’Illustrated London News, qui lui permet de rencontrer les frères Goncourt. Enfin, il se rapproche de Manet et de Nadar, chacun faisant son portrait. Son retrait de la vie sociale est entériné par son accident : il meurt en 1892, isolé et dans la plus grande misère.

Deux jeunes espagnoles. Constantin Guys (1802-1892) France, XIXe siècle. Plume, lavis, encres et aquarelle. Inv. 34715 © Les Arts Décoratifs

 

Le département des Arts graphiques propose de redécouvrir ce chroniqueur du Second Empire par l’intermédiaire d’une quinzaine d’œuvres, représentatives de l’ensemble de la production. Issues de la cinquantaine de dessins conservés au musée des Arts décoratifs, ces feuilles, par la variété du trait autant que par l’apposition de mentions manuscrites, assurent la spécificité d’un geste entre Créativité et Journalisme.

 

Débarquement des troupes françaises au cap Kerson. Constantin Guys (1802-1892) France, XIXe siècle. Plume, lavis, encre et aquarelle. Inv. 34706 © Les Arts Décoratifs

 

Morgane Lanoue

 

Accrochage « Physionotraces : galerie de portraits, de la Révolution à l’Empire »

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 3 – Salle 15
 
28 mars 2012 – 2 juillet 2012
 

Le Cabinet des Dessins du musée des Arts décoratifs propose à la connaissance cinquante-quatre portraits d’anonymes, réalisés à la fin du XVIIIe et au début du XIXesiècle grâce au physionotrace. Cette curieuse machine, inventée par Gilles-Louis Chrétien en 1784, reproduit, par un procédé de mécanisation du dessin, l’exacte physionomie du sujet sous la forme d’une esquisse grandeur nature, réduite puis gravée en série. Le succès de ces petites effigies, jugées frappantes de ressemblance par les contemporains, ne se fait pas attendre. À la Révolution, puis sous l’Empire, toute la bonne société (nobles, bourgeois, politiciens ou intellectuels) vient se faire portraiturer, dans le quartier du Palais-Royal, en quelques minutes et à moindre coût.

 

Portrait de femme, Edme Quenedey (1756-1830), 1801-1805, dessin au physionotrace, gravure. Inv. 43549. © Les Arts Décoratifs

 

Le physionotrace, dont le fonctionnement suscite plusieurs hypothèses, est aujourd’hui mieux connu. Il s’agit d’une haute armature de bois dressée sur pieds, de 1,75 m de hauteur sur 65 cm de largeur. Le sujet se place de profil dans l’encadrement de l’appareil, sur un fond noir, immobile, la tête calée par un support. Entre les montants se trouve, à la verticale, un large pantographe (instrument formé de tiges articulées, permettant de produire une copie proportionnelle au dessin original), dont l’une des branches se prolonge sur 1 m environ. Celle-ci, mobile, s’abaisse ou s’élève en fonction des mouvements effectués par l’opérateur. Sur le côté de cette grande règle se tient un « visier », constitué de deux fils se coupant perpendiculairement. Fixé à son extrémité, un crayon reproduit sur une feuille de papier le parcours tracé par le dessinateur, qui suit avec son « œil » les contours du modèle. En quelques minutes, il obtient un profil grandeur nature de la figure et du buste du client, appelé « grand trait ». Il s’emploie ensuite à compléter le plus fidèlement possible cette ébauche avec les détails du visage et du vêtement. Commence alors le travail de réduction, cette fois grâce à un pantographe ordinaire. Le dessin est reporté sur une plaque de cuivre, puis gravé à l’eau-forte en plusieurs exemplaires. Moins d’une semaine après la séance de pose, l’artisan fournit ainsi au client un package comprenant le tracé grandeur nature, la plaque de métal gravée, ainsi que douze tirages. Si l’acheteur en a les moyens (au moins 3 livres de plus par exemplaire colorié), ces « physionotraces » peuvent être aquarellés, ou même directement gravés en couleur.

 

Homme de trois-quart cheveux poudrés noués, Edme Quenedey (1756 - 1830), XVIIIe siècle (fin) physionotrace, gravure. Inv. 43578 © Les Arts Décoratifs

 

En France, le physionotrace ne semble avoir été utilisé sous sa forme la plus aboutie que par Chrétien et ses associés successifs. Quelques silhouettistes s’essayent au procédé, mais sans acquérir la même renommée. Edme Quenedey (1756-1830) est sans doute celui qui fournit la production la plus importante : à preuve, les quelques 2800 portraits conservés à la Bibliothèque nationale de France. Dessinateur et graveur, il se met à son compte après la fin de sa collaboration avec Chrétien en 1789. Émigré à l’étranger de 1794 à 1801, Quenedey exporte la technique à Hambourg. L’inventeur de la machine continue lui aussi à exploiter le procédé de son côté, puis s’associe successivement aux dessinateurs Fouquet et Fournier. À la mort de Chrétien en 1811, Étienne Bouchardy reprend l’affaire. La production ne cesse malheureusement de décroître en France, et l’arrivée de la photographie rend le procédé rapidement dépassé. Aux États-Unis, de 1794 à 1814, le Français Févret de Saint-Mémin introduit la technique : il laisse à la postérité plusieurs centaines de portraits de personnalités américaines, à l’instar de Georges Washington ou Thomas Jefferson.

 

Femme de profil portant des poissardes, Edme Quenedey (1756-1830), XVIIIe siècle (fin), dessin au physionotrace, gravure. Inv. 43574 © Les Arts Décoratifs

 

La cinquantaine de physionotraces exposés par le Cabinet des Dessins du musée des Arts décoratifs est issue d’un corpus comptant une centaine d’œuvres, entrées dans les collections en 1970 grâce au legs de Marie-Odette Achouch-Gourandy, fille adoptive du général Gourandy. L’ensemble est particulièrement représentatif de la production entre le début de la commercialisation de ces portraits en 1788 et le déclin du procédé dans les années 1820. La reproduction exacte des traits, autant que la rapidité d’exécution, annoncent les prémices de la photographie. La présence de figures anonymes comme celle de personnages bien connus de l’Histoire, hommes et femmes, démontre la popularité de cette technique à bon marché qui démocratise l’art du portrait. L’intérêt des œuvres n’est pas seulement esthétique ou historique. En filigrane des bouleversements politiques d’une période de fracture, les physionotraces dessinent également une histoire sociologique du goût, accessible par l’interprétation à donner aux évolutions des ornements du corps, du costume à la coiffure.

Pauline Juppin

 

Vestibule - coupe sur la largeur au 1/10e de la Maison Pompéienne d'Alfred Normand

Accrochage Dessiner pour le Prince Napoléon : la Maison Pompéienne d’Alfred Normand (1822-1909)

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
 
17 février 2012 – 8 juin 2012
 
 

Résultat esthétique surprenant en même temps que conforme aux goûts d’une génération qui rêve d’Antiquité, la Maison Pompéienne du Prince Jérôme Napoléon, cousin de l’Empereur et frère de la Princesse Mathilde, compose un ensemble architectural, définitivement « Napoléon III ».

 

Vestibule - coupe sur la largeur au 1/10e de la Maison Pompéienne d'Alfred Normand

Vestibule - coupe sur la largeur au 1/10e de la Maison Pompéienne, Alfred Normand, 1862. Inv. 45383

 

En effet, dès 1855, le prince, dit « Plon-Plon », confie ce projet à l’architecte Alfred Normand, sur les conseils de Jacques Hittorff, théoricien de « l’architecture polychrome chez les Grecs ». Normand, issu de l’Ecole des Beaux-Arts, Grand Prix de Rome, en attelage avec l’ornemaniste Charles Rossigneux (1818-1907), engage alors le chantier avenue Montaigne, à l’emplacement du Pavillon des Beaux-Arts de l’Exposition universelle de 1855. De 1856 à 1860 – le gros œuvre est achevé en 1858 – s’élève un véritable palais, modèle d’architecture néo-grecque, imaginé par le Prince comme l’écrin somptueux à offrir à son amie, la comédienne Rachel.

 

Alfred Normand

Alfred Normand dans son atelier de la rue des Martyrs, photographie anonyme, s.d.

 

La demeure est ainsi décrite : « […] Le décor fourni par Normand au Prince et à ses amis était une copie très libre d’une demeure pompéienne, dans le genre de la villa de Diomède, de la maison de Pansa ou de celle du Poète tragique, dans lesquelles les pièces principales s’ouvraient sur un atrium complet avec son impluvium et son compluvium. Les murs étaient décorés dans le troisième style illusionniste de Pompéi, d’une suite de groupes symbolistes peints sur les panneaux par Sébastien Cornu. Des bustes de la famille Bonaparte entouraient le bassin et une statue de Napoléon Ier faisait face à la porte d’entrée […]. Les couleurs étaient chaudes (le rouge et le noir prédominaient sur les murs) ; l’ornementation, lourde et contournée, tout était intense dans cette demeure minuscule […] ».

 

Projet pour la Maison Pompéienne du Prince Napoléon

Projet pour la Maison Pompéienne du Prince Napoléon (peut-être pour l'atrium), Alfred Normand, c. 1860. Inv. 35 309 B1 et B2.

 

Les quelque 400 dessins, alliage visuel remarquable, mêlant, sur un rythme ternaire : vermillon, noir fusain et ocre cendré, servent la restitution contemporaine d’un espace (détruit en 1891) dont les proportions, en songe, étaient pensées monumentales. Ils intègrent les collections des Arts décoratifs en 1945-1947 grâce à Paul Normand, fils d’Alfred, architecte lui-aussi. Cet ensemble de « tous les dessins ou épures, encadrés ou non relatifs à l’hôtel pompéien », un temps dirigé vers la Bibliothèque des Arts décoratifs, rejoint le Cabinet des Dessins aux tournants des années 1970 : il rend le plus beau des hommages à la création d’un artiste qui, témoin des envies de son temps, intégra ses visions d’un Pompéi, surpris en calotypes, au chromatisme luxueux du Second Empire.

Agnès Callu

Projet pour la grande serre de la fontaine de la Maison Pompéienne, Alfred Normand

Projet pour la grande serre de la fontaine de la Maison Pompéienne, Alfred Normand, c.1856. Inv. CD 2818.6 a

 

Exposition : « Que du dessin… » au musée Bourdelle

« Que du dessin », exposition prolongée jusqu’au 11 mars 2012 au musée Bourdelle. 18, rue Antoine Bourdelle, 75015 Paris.

 

« La sculpture, c’est du dessin dans tous les sens ». Antoine Bourdelle (1861-1929), l’un des plus éminents sculpteurs de sa génération, praticien de Rodin, maître de Giacometti, envisage le dessin comme l’un des principaux fondements de la construction artistique. A juste titre. L’exposition Que du dessin, organisée au musée Bourdelle à l’occasion du 150ème anniversaire de la naissance de l’artiste, démontre l’étroitesse des liens que l’artiste entretenait avec cette forme d’expression. Deux cents feuillets, sélectionnés au sein d’un important fonds de dessins récemment inventorié avoisinant les sept mille pièces, retracent  la production graphique de Bourdelle de 1875 à 1929. Ils révèlent, ainsi, les traits d’une personnalité artistique remarquable, effervescente et multiforme. Qu’il s’agisse des œuvres aux tons sombres des débuts ou des recherches polychromes plus tardives, le dessin apparaît toujours comme le complice perpétuel et indéfectible des aspirations créatrices de Bourdelle. Il est l’outil de l’inventivité comme des plus studieuses analyses. C’est ainsi que le sculpteur se plie à l’exercice académique de la copie lorsqu’il reproduit les œuvres croisées lors de ses voyages (collections de musées, tympans d’églises, etc.). Crayon, plume, aquarelle, fusain, pastel… Les techniques employées sont diverses et variées. Chaque esquisse est une œuvre à part entière, une création singulière parfois signée du monogramme original de l’artiste. Bourdelle, dessinateur ou sculpteur ? La critique le considère comme l’un et l’autre. Le dessin, qu’il soit exécuté « sur le vif » ou de mémoire, est pour l’artiste la clef d’un monde évanescent et frémissant. Il exécute, tour à tour, des nus alanguis, des scénettes de la vie quotidienne et s’essaie même aux figures insaisissables de la danse. Les pas virtuoses de Nijinski et d’Isadora Duncan hantent ses œuvres tels d’improbables génies aux attitudes ondoyantes… L’art du trait est aussi, pour lui, l’occasion de croquer l’intime et l’onirique. Aux touchants portraits d’enfants et de proches, puis aux compositions érotiques méconnues, se succèdent les représentations fantasmagoriques d’anges ou de centaures. A l’écoute des évolutions artistiques de son temps, Bourdelle se laisse aussi  aller à la dénaturation des formes, engagée alors par le cubisme et le futurisme. En forme de conclusion, l’exposition établit un dialogue entre la sculpture et le dessin, mettant en regard les esquisses préparatoires et les œuvres plastiques de ce visionnaire honoré de commandes officielles (bas-reliefs de la façade du théâtre des Champs-Elysées, monuments aux morts…). Hors de la force structurale de la sculpture, le dessin apparaît comme l’expression d’une sensibilité différente et nécessaire chez Bourdelle, qui l’a toujours considéré comme une «  part essentielle » de sa vie d’artiste.

 

                                                                                                                                                                                                        Pauline Juppin

 

 


En bref : focus sur Le Corbusier (1887-1965)

Etude de femmes, Le Corbusier, 1934. Plume, encre noire et pastel sur papier. Inv. 55636 - © Les Arts Décoratifs

Isolés au sein de corpus organiques, figurent des unica que l’inventaire général fait surgir. Ainsi, deux dessins de Le Corbusier : une étude de figures féminines stylisées (1934) ou encore un projet pour un service de table (1961).

Etude de décor pour un service de table, Le Corbusier, 1961. Encre noire sur papier calque. Inv. 40041.A.2 - © Les Arts Décoratifs

Intérieurs de Jean-Maurice Rothschild (1902-1998)

Salle à manger, Jean-Maurice Rothschild, 1926. Gouache, crayon noir et rehauts de blanc sur papier. Inv. 50082 - © Les Arts Décoratifs

Parmi les corpus graphiques du XXe siècle mis à jour dans les collections du Cabinet des dessins du musée des Arts décoratifs : une quarantaine de dessins de décors d’intérieur du décorateur français Jean-Maurice Rothschild (1902-1998). Élève de l’École Boulle, il débute sa carrière chez l’influent Jacques-Emile Ruhlmann, à la veine classique. En 1925 il expose à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes, où ses formes élégantes, épurées, au luxe feutré et racé, séduisent. Comme Arbus, Ruhlmann ou Adnet, J.-M. Rothschild travaille à l’aménagement des grands paquebots lancés dans les années 1930-1950. Ainsi, le mobilier réalisé pour le Normandie compose une étape marquante de sa carrière. La majeure partie du corpus – riche de projets de salons, de chambres à coucher ou de pièces de mobilier –  rend compte de l’identité stylistique de J.-M. Rothschild, et de la multiplicité des projets aux formes raffinées et aux intelligents contrastes chromatiques auxquels il apporta son savoir-faire. Sollicité par des milieux éclectiques, il collabore à des chantiers pluriels, de la chambre de l’ambassadrice à l’Ambassade de France à Londres au décor de la boîte de nuit «Miami » à Paris, en passant par la décoration intérieure de l’Hôtel de Ville de Cachan. A l’écart de ces ensembles, cinq études de panneaux décoratifs, bucoliques et légères, laissent parler une sensibilité différente chez Rothschild, mais toujours empreinte de caractère.

Chambre à coucher, Jean-Maurice Rothschild, 1935. Crayon, aquarelle et gouache sur papier. Inv. 50103 - © Les Arts Décoratifs

Pauline JUPPIN

Redécouvrir Décorchemont (1880-1971) : panorama d’un fonds

Une importante production de dessins préparatoires du verrier et céramiste François Décorchemont (1880-1971), figure artistique emblématique des arts du feu au XXe siècle, est conservée au Cabinet des dessins du musée des Arts décoratifs. Passé maître dans le travail de la pâte de verre, l’artiste a su tirer parti des spécificités de la matière (transparence, luminosité, malléabilité) pour concevoir un style formel d’une grande finesse, servi par un emploi virtuose de la couleur. L’ensemble de dessins conservé au musée, constitué de croquis de verrerie et d’études de vitraux, rend compte de l’ensemble de son activité, de ses premières esquisses d’adolescent, dans les années 1890, à la fin de sa carrière. Il complète le fonds d’archives détenu au Centre du Verre du musée des Arts décoratifs, que Véronique Ayroles a largement valorisé dans sa monographie sur l’artiste (François Décorchemont, maître de la pâte de verre, Paris, 2006). Tout juste sorti de l’enfance, le jeune François Décorchemont révèle, dans des études florales, un talent artistique certain. Cette tendance s’affirme à l’École des arts décoratifs de Paris (de 1895 à 1900) : là, la finesse du trait et le goût sûr des couleurs transparaissent déjà.

Etude de fleurs, François Décorchemont, 1892, gouache sur papier. Inv. 57205.2 - © Les Arts Décoratifs

C’est à la fin de cet enseignement que Décorchemont s’oriente vers la céramique, puis la verrerie. Les dizaines d’études de vases conservées, souvent réalisées au crayon ou à l’encre sur des pages de carnet, apportent un éclairage délicat et intimiste sur sa recherche des formes « à vif ». Datées des années 1910-1920, elles expriment l’évolution du style du verrier, des motifs  naturalistes de l’Art nouveau aux lignes plus sobres et « robustes » de l’Art déco.

Etude de verrerie, François Décorchemont, 1920-25, crayon sur papier. Inv. 57214.42 - © Les Arts Décoratifs

Si, jusqu’aux années 1930, ses réalisations de verrerie (vases, pots, coupes…) lui assurent une renommée internationale et constituent l’essentiel de son œuvre, Décorchemont déporte ensuite son savoir-faire vers une nouvelle sphère, celle du vitrail où, toujours en prestidigitateur de la lumière, il met sa technique au service d’une approche davantage structurelle. A l’exception de quelques commandes civiles (par exemple le décor de l’Hôtel de ville de Vernon), l’iconographie religieuse domine la seconde partie de sa carrière. Esquisses de saints, d’anges et de figures auréolées, projets polychromes de vitraux pour de nombreuses églises de l’Eure (Conches, Etrépagny, Beuzeville…), terre natale de Décorchemont, ou pour l’église Sainte-Odile à Paris, traduisent cette fois la religiosité de l’artiste et l’attachement à ses racines.

Projet de vitrail, François Décorchemont, 1955. Gouache sur papier. Inv. 57249.10 - © Les Arts Décoratifs

 

Pauline JUPPIN

Séminaire « Épistémologie du dessin : concepts, lectures et interprétations, XIX-XXIe siècles »

Agnès Callu (Musée des Arts décoratifs, IHTP/CNRS, EPHE) et Alice Thomine-Berrada (Musée d’Orsay) organisent un séminaire sur l’épistémologie du dessin au CNRS (IHTP) avec l’Ecole des Chartes et l’INHA.

Etude pour le décor d'un vase, Henri Cros, 1889-90. Crayon et aquarelle sur papier. Inv. 995.81.16 et 17 - © Les Arts Décoratifs

Ce séminaire propose de réfléchir aux fondements du dessin – lieu d’inspiration pour l’artiste, « activateur de pensée », projection de fantasmes artistiques, trace balbutiante de compositions « in progress », transcription brute d’imaginaires figurés, « premier jet » graphique d’abstractions conceptuelles, vérification « sur pièces » d’hypothèses rêvées, essai visant à tester la capacité réalisatrice, aboutissement d’utopies intangibles par d’autres techniques, etc. – autant que poser les pratiques et usages sociaux du dessin – intimité secrète d’une œuvre à l’amont de son processus, circulation d’une ébauche servant de modèles aux disciples, projet destiné aux commanditaires, fondement de l’enseignement artistique au XIXe siècle, objet de convoitise des collectionneurs, trace mobile aisément reproductible, etc. –, inscrit le débat d’idées à la frontière de l’histoire de l’art, de la génétique et de l’histoire culturelle.

 

Épistémologie du dessin : concepts, lectures et interprétations, XIX-XXIe siècle (2011-2012)

Année universitaire 2011/2012 (Semestre 2). Le jeudi de 18h à 20h à l’IHTP 59/61 rue Pouchet 75849 Paris cedex 17

Plus d’informations par ici