Archives par étiquette : XXe siècle

Fééries graphiques d’Emilio Terry : sélection critique de proto-dessins

 
Musée des Arts décoratifs
107 rue de Rivoli – 75001 Paris
Niveau 8 – Salle Royère
 
26 mars 2013 – 10 juin 2013
 

Baroque et néo-classique, inventeur du « style Louis XVII », admirateur de Palladio ou de Ledoux, Emilio Terry (1890-1969) continue de nourrir les imaginations et imaginaires confluents des dessinateurs, architectes, décorateurs ou paysagistes français et étrangers. La présentation d’une vingtaine d’œuvres issues de l’exceptionnelle collection du département des Arts graphiques du musée des Arts décoratifs (pas moins de 1200 dessins), autorise, sur le principe de l’accumulation, les comparaisons et les référencements divers, la couverture d’un prisme temporel ouvert des années 1930 aux tournants de la décennie 1970, la matérialité des commandes réalisées (ou à l’état d’in progress car demeurées inachevées), la restitution des liens de sociabilités hexagonaux et internationaux noués par le créateur connecté à de nombreux réseaux sociaux (versus Boni de Castellane) et assuré d’une clientèle renommée (d’Anna de Noailles à Charles de Beistegui).

 

Jet d’eau et construction de feuillages Emilio Terry y Sanchez (1890-1969) France, XXe siècle Plume, encre de Chine et lavis Legs Terry y Sanchez, 1972 Inv. 47773.79 © Les Arts Décoratifs

Jet d’eau et construction de feuillages. Emilio Terry y Sanchez (1890-1969). France, XXe siècle. Plume, encre de Chine et lavis. Legs Terry y Sanchez, 1972. Inv. 47773.79. © Les Arts Décoratifs

 

 

Projet pour un pavillon Emilio Terry y Sanchez (1890-1969) France, 1932 Crayon, plume, encre de Chine et lavis Legs Terry y Sanchez, 1972 Inv. 47773.72 © Les Arts Décoratifs

Projet pour un pavillon. Emilio Terry y Sanchez (1890-1969). France, 1932. Crayon, plume, encre de Chine et lavis. Legs Terry y Sanchez, 1972. Inv. 47773.72. © Les Arts Décoratifs

 

 

Grotte marine Emilio Terry y Sanchez (1890-1969) France, XXe siècle Plume, encre de Chine et lavis Legs Terry y Sanchez, 1972 Inv. 47773.37 © Les Arts Décoratifs

Grotte marine. Emilio Terry y Sanchez (1890-1969). France, XXe siècle. Plume, encre de Chine et lavis. Legs Terry y Sanchez, 1972. Inv. 47773.37. © Les Arts Décoratifs

 

 

 

Jean Royère (1902-1981) : intérieurs dessinés

Le couple Jean Royère / Arts décoratifs s’inscrit dans la durée. Le musée, affectataire des archives de l’artiste, lieu de monstration de son œuvre, outil d’analyse de sa production, est un amoureux du décorateur, un habitué de ses lignes, tracés et couleurs. Aussi bien, choisissant la formule du vis-à-vis contextuel par le biais du département des Arts graphiques, il expose, face à des meubles et objets, une sélection de dessins qui, mis à plat, composent une entrée dans l’imaginaire esthétique d’un ensemblier au profil remarquable.

 

Projet pour le hall d’un chalet à Megève. Jean Royère (1902-1981). France, 1953-1956. Crayon et gouache sur papier. Inv. 49070 © Les Arts Décoratifs

 

Né en 1902, issu d’un milieu aisé, se saisissant d’une expérience empirique inventée au contact du Faubourg Saint-Antoine, Royère s’impose, au tournant des années 1930-1940, comme un créateur au génie décoratif qui fait la différence. Sensible à « l’univers des formes » construit en Scandinavie ou en Italie par des Alvar Aalto ou Gio Ponti, jamais il ne reproduit, créant, tout à l’inverse, un nouveau pas virtuose qui organise, dans le fonctionnalisme, l’harmonie des conjonctions : volumes et hauteurs, graphes arrondis ou pentus, biomorphisme des courbes et courbures, structures tubulaires malmenées, bousculées encore, alternances sinusoïdales, lianes et bouquets de luminaires grimpant sur les murs à la manière de lierres métalliques, gras léger du crayon, gouaches primaires et/ou acidulées qui, presque déjà « Pop », livrent au regard des intérieurs rêvés.

 

Hall de l’hôtel St Georges à Beyrouth : salon vert. Jean Royère (1902-1981), France, 1955. Crayon et gouache sur papier. Inv. 48495 94 © Les Arts Décoratifs

 

Chambres à coucher ou living pour les « élites » internationales, ces dessins laissent voir, au carrefour des années 1950-1960, la matérialité des commandes confiées à un créateur qui, dans sa génération comme dans son style, propulse un design drôle et coloré, signature personnelle d’une architecture intérieure souvent qualifiée de féerique.

Agnès Callu

 

Projet de salon pour le Salon des Artistes décorateurs de 1955. Jean Royère (1902-1981) France, 1955. Crayon et gouache sur papier. Inv. 49068 © Les Arts Décoratifs

 

« Abstractions 50 », atelier Grognard, Rueil-Malmaison

L’exposition « Abstractions 50 », Atelier Grognard de Rueil-Malmaison, du 9 décembre 2011 au 19 mars 2012.

 

Vieira da Silva - L'Atelier à l'Harmonium, 1950, huile sur toile, inv DG 255 - © Adagp

 

L’exposition « Abstractions 50 » qui se tient à l’atelier Grognard de Rueil-Malmaison intéresse car, partout, la passion s’y diffuse. Celle, évidente, des deux commissaires, François Callu Mérite et Sylvain Féat, qui montrant un corpus éclaté dans l’univers des formes, offre un goût très sûr, revendiqué depuis longtemps, à lire dans le catalogue d’impressionnantes collections personnelles autant que dans l’itinéraire sélectif de rétrospectives au choix monographique. On pense singulièrement, pour la Galerie Callu Mérite, aux accrochages dédiés à Camille Bryen dès 1988 ou à l’audacieuse promotion en 2000 du « cordonnier in partibus », Gaston Chaissac. Mais l’acte passionnel, surplombant cette affaire/histoire de goût, générationnellement pointue chez des collectionneurs nés immédiatement avant 1940, transpire dans l’étonnant ensemble de quelque quatre vingt œuvres proposés au regard, structurées, sur le registre notionnel, autour de la nature, du signe, des couleurs, des géométries ou des origines. Là, couvrant la stance temporelle 1945-1964, s’expose une abstraction plurielle nouée pourtant autour de fondamentaux communs avancés, en expert, par Pierre Francastel : « […] refus des procédures technologiques ravalées au rang de passe-temps décoratifs ; exclusion de la figure, sauf si elle provient de l’inconscient, de la naïveté ou de la folie. Une prédilection pour l’instinct, la sensation, le corps, le geste, la subjectivité libérée et projetée sur la toile qui nourrit surtout l’abstraction chaude ou lyrique, éternel pendant dionysiaque de la rigueur apollinienne […] ».

 

Camille Bryen, Racine, 1947, dessin sur papier © Adagp

 

Nourri des mêmes classifications nietzschéennes converties en grilles de lecture esthétique, le philosophe Gaëtan Picon, directeur des Arts et Lettres auprès de Malraux au tournant des années 1960, aime, comprend, interprète cette création d’inspiration novatrice dont il favorise la légitimation, en espérant la rencontre avec le patrimoine. Parmi les œuvres exposées où, à la manière d’un portrait de groupe, s’alignent les profils d’Hartung, Estève, Manessier, Lanskoy, Soulages ou Nicolas de Staël, un artiste « piconien » aimante le regard : Roger Bissière et sa détrempe sur papier datée 1950, intitulée « Papillon ». De Bissière, Picon fait l’éloge en 1964 avant que de participer, deux ans plus tard à l’exposition de son travail au musée des Arts décoratifs : « Il me semble que si nous tentons de penser à Bissière généralement, essentiellement, comme lui-même l’a fait au monde, nous pensons d’abord à lui comme à ce peintre qui ne s’est pas soucié des chefs-d’œuvre, qui n’a pas cru avoir une mission, n’a pas voulu laisser dans l’histoire un monument servant d’exemple, qui a proclamé son horreur des barrières, des systèmes, son incompréhension des mots comme recherche et problème, qui a dit, par contre, que la peinture n’est pas un choix, mais une fatalité, que le peintre produit ses tableaux comme un pommier ses pommes, nous pensons à lui comme à ce peintre qui a simplement restitué le monde qu’il a absorbé, puisqu’il y a un échange entre la sensibilité et le monde et que le tableau est fait à la fois pour vivre, posséder, approfondir la richesse intime de cet échange et pour la tenir à distance, l’écarter de soi comme si, sans ce dédoublement, elle risquait d’être suffocante, intolérable, de telle sorte que l’œuvre est un miroir où se projette et se regarde l’éblouissement intérieur qui, sans cela, ne serait qu’un aveuglement, ou encore, comme Bissière l’a écrit, un feu allumé pour avoir moins froid, un feu pour être son ami, comme l’avait déjà dit Eluard, et où il jette, le peintre comme le poète, les forêts, les buissons, les champs de blé, les vignes – les nids et leurs oiseaux, les maisons et leurs clefs […]. »

 

Hartung Hans, Sans titre, 1956, encre de chine sur papier - © Adagp

 

À chercher la matérialité du goût de Gaëtan Picon, on peut sans doute en frôler l’intuition au moins quand on circule parmi les œuvres intelligemment montrées et démontrées dans « Abstractions 50 ».

 

Agnès Callu